Los pintores dominicanos, con influencias y orígenes diversos, han hecho de su país uno de los más ricos y fascinantes en cuanto a producción artística, no solo en la región caribeña, sino a nivel continental. Desde cuadros costumbristas hasta composiciones reveladoras, la obra de los artistas dominicanos destaca por la determinación de sus pinceladas, la riqueza de técnicas y la pluralidad de perspectivas.

Conoce a 11 pintores dominicanos que dejaron huella en la historia del arte de su país.

Leopoldo Navarro (1862-1908)

 

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Leopoldo Navarro fue un matemático, educador, pintor y escultor. Nacido en Santo Domingo, vivió en París y Madrid, donde perfeccionó su técnica pictórica. Inspirado por el impresionismo, experimentó con el uso de la luz y el color en sus composiciones. Entre sus obras, destacan sus retratos en acuarela en pequeña escala, como Espadachín y Las Canasteras. Fue un promotor clave de las artes y el desarrollo cultural en República Dominicana, por lo que una importante avenida de la ciudad de Santo Domingo lleva su nombre.

Celeste Woss y Gil (1891-1985)

 

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Celeste Woss y Gil fue la primera mujer dominicana en convertirse en artista profesional. Su padre era Alejandro Woss y Gil, quien fue presidente de la República Dominicana, por lo que pasó sus primeros años de vida en el exilio en Francia y Cuba. Además de ser artista plástica y profesora, fue una activista feminista y formó parte del movimiento sufragista. Estudió y expuso en Nueva York en la década de 1920. Además, en 1942 participó en la fundación de la Escuela Nacional de Artes Visuales.

Yoryi Morel (1906-1979)

 

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Jorge Octavio Morel Tavares, mejor conocido como Yoryi Morel, ha sido considerado el pintor dominicano costumbrista por excelencia, y un pionero de esta disciplina en su país. Inició su educación artística a los 11 años, aunque desarrolló gran parte de sus habilidades de forma autodidacta. En su obra, cuyo hilo conductor es una paleta luminosa de influencia impresionista, hay paisajes llenos de color, escenas de la vida cotidiana y retratos de personas de la clase trabajadora.

Guillo Pérez (1923-2014)

“Carretas y bueyes”, 1976 (vía Wikimedia Commons, CC BY-SA 4.0)

Guillo Pérez, cuyo nombre completo era Guillermo Pérez Chicón, nació en San Victor, Moca, provincia de Espaillat. Su medio preferido era el óleo sobre tela, con el que creaba expansivos paisajes a través del uso de la espátula y pigmentos de colores vivos. Considerado uno de los pintores dominicanos más prolíficos de todos los tiempos, Pérez también fue director de la Escuela de Bellas Artes de La Vega y la Escuela de Bellas Artes de Santo Domingo.

Clara Ledesma (1924-1999)

 

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Originaria de Santiago de los Caballeros, Clara Ledesma fue una de las primeras mujeres en realizar sus estudios en la Escuela Nacional de Bellas Artes de República Dominicana. Su obra estuvo influenciada por Marc Chagall, Joan Miró y Paul Klee, y mezcló elementos del expresionismo, el surrealismo y la abstracción. Su obra forma parte de los acervos del Museo Metropolitano de Nueva York, el Museo Metropolitano de Miami, el Museo de Arte Moderno de México y el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid.

Ada Balcácer (1930)

 

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Hoy por hoy, Ada Balcácer es una de las figuras más importantes del arte abstracto en América Latina. Cuando era pequeña, Balcácer soñaba con ser doctora, pero un accidente de equitación provocó que perdiera su brazo. En 1951 ingresó a la Escuela Nacional de Bellas Artes, y posteriormente viajó a Puerto Rico y Estados Unidos para perfeccionar sus habilidades pictóricas. Ha compartido sus conocimientos de marketing con las mujeres artesanas de su país para ayudarlas a comercializar sus productos de manera justa. En 2017 fue nombrada en Reserva Cultural de la Nación por la relevancia de su obra.

Cándido Bidó (1936-2011)

“Paseo de la mañana”, 1979 (vía Wikimedia Commons, CC BY-SA 4.0)

Pintor, dibujante y escultor, Cándido Bidó es considerado uno de los pintores dominicanos más importantes de la historia. Originario de Bonao, Bidó dejó su ciudad natal para desarrollarse como artista. Sus cuadros son protagonizados por personajes del Valle del Cibao, donde pasó sus primeros años. “Puedo verlos y sentirlos siempre a mi alrededor”, dijo el pintor. “Si intentara olvidarlos, no sería fiel a mí mismo”. Su obra es fácilmente reconocible por su paleta de colores, en la que reinan los colores primarios en tonalidades intensas.

Amable Sterling (1943)

 

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Nacido en La Romana, en la costa caribeña, Amable Sterling es un pintor, muralista y dibujante egresado de ​​la Escuela Nacional de Bellas Artes. Su obra ha sido creada en su mayoría en tonos azules, grises y violetas, con los que explora los volúmenes y posibilidades gestuales de la anatomía humana. Algunos de sus murales pueden apreciarse en el Parque Mirador Sur, uno de los espacios verdes más importantes de Santo Domingo. Sterling obtuvo el premio Identidad Latinoamericana de la Bienal de Miami de 1986.

José García Cordero (1951)

 

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Originario de Santo Domingo, José García Cordero es un pintor, fotógrafo y dibujante que radica en Francia desde 1977. Afirma haber descubierto el arte a través del arte popular en Santiago, los globos de la Virgen de la Altagracia, el carnaval y el árbol de Navidad de su madre. Su imaginario, onírico, oscuro e inquietante, cobra vida a través de una paleta de grises donde el ocasional rojo confiere poder a composiciones que confrontan al espectador con la parte más oscura del subconsciente.

Scherezade García (1966)

Foto: Scherezade García (vía Wikimedia Commons, CC BY-SA 4.0)

Nacida en Santo Domingo, Scherezade García es una pintora, grabadora y artista de la instalación. García emigró a Nueva York a los 20 años para estudiar en la Parsons The New School for Design. Desde que se afincó en la Gran Manzana, sus obras reflexionan sobre las memorias en el hogar que dejó y las dificultades para encontrar su lugar en un nuevo país. Su obra forma parte de las colecciones del Museo Smithsoniano de Arte Americano y el El Museo del Barrio de Nueva York.

Mónica Hernández (1995)

 

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Radicada en Nueva York, Mónica Hernández ha causado revuelo en la escena del arte contemporáneo por sus obras que exploran la forma femenina desde una perspectiva personal. “Mi trabajo no está hecho simplemente para empoderar a las mujeres de color. Es más una cuestión de qué significa ser yo y reflexionar sobre mis experiencias”, le dijo a Teen Vogue. “En Historia del Arte, aprendemos sobre artistas blancos que hacen pinturas con mujeres desnudas como sujetos. Quiero darle la vuelta a eso”.

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Izquierda: Frida Kahlo. Centro: David Alfaro Siqueiros. Derecha: José María Velasco.

En los últimos 150 años, los pintores mexicanos se han convertido en un referente artístico a nivel mundial. Claramente influenciados por su contexto geopolítico e histórico, a los pintores mexicanos los une en su mayoría un fuerte compromiso con las causas sociales de su época –en particular, de la primera mitad del siglo XX.

Valiéndose de una gran variedad de técnicas, estos pintores crearon desde retratos y paisajes hasta piezas oníricas que tienen sus bases en el imaginario local, dando vida a una escuela artística única en el mundo y que sigue inspirando a generaciones de artistas más allá de sus fronteras.

Aquí te presentamos 16 pintores mexicanos que todo amante del arte debe conocer.

José María Velasco (1840-1912)

“Valle de México, 1888” Foto: Museo Nacional de Arte (vía Wikimedia Commons, dominio público)

José María Velasco es el pintor de paisajes más célebre de la historia del arte en México. Su carrera inició en un momento en el que la pintura giraba en torno a composiciones religiosas e históricas protagonizadas por figuras humanas, por lo que su dedicación y talento para documentar fielmente la naturaleza lo convirtió en un artista revolucionario para la época. Sus trazos precisos y su sensible paleta de colores han transformado a sus cuadros en recursos históricos y geográficos para estudiar los efectos de la explosión demográfica en el centro de México en los últimos 150 años.

Dr. Atl (1875-1964)

Foto: Instituto Nacional de Antropología e Historia / Sistema Nacional de Fototecas (CC BY-NC-ND 4.0)

Gerardo Murillo, mejor conocido como Dr. Atl, fue un paisajista, escritor y vulcanólogo que destacó entre los pintores mexicanos. Tras estudiar pintura, filosofía y leyes en Europa, hizo un llamado en favor del desarrollo de un arte público que abordara los problemas e intereses de la sociedad, por lo que es considerado uno de los precursores del muralismo mexicano. Fue una figura clave en la transición de la influencia europea de principios del siglo XX hacia la apreciación del arte popular mexicano en el periodo posrevolucionario. Además de sus espectaculares pinturas de paisajes volcánicos, su pasión por este tema lo llevó a documentar la erupción del Paricutín, uno de los volcanes más jóvenes del mundo, en 1943.

José Clemente Orozco (1883-1949)

Fotos de stock por zeelichsheng/Shutterstock

Las obras de José Clemente Orozco–uno de los grandes exponentes del muralismo mexicano junto con Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros– abordan temas como ritos prehistóricos, las raíces culturales de los pueblos indígenas del occidente de México, la opresión ejercida por los conquistadores españoles y la lucha independentista desde una perspectiva expresionista que se cruza con el realismo social. Orozco, un pintor comprometido con las causas sociales, es recordado por su estilo dinámico con una tendencia dramática, presente especialmente en los murales del Hospicio Cabañas.

Diego Rivera (1886-1957)

“Epopeya del pueblo mexicano”. Fotos de stock por Florian Augustin/Shutterstock

Diego Rivera es recordado por sus murales con temática social, plasmados en edificios públicos de México y Estados Unidos. Este pintor demostró un interés por las artes desde pequeño, lo que le valió el apoyo para viajar a Europa para estudiar el trabajo de grandes maestros como Goya. Estas vivencias le permitieron experimentar con el cubismo y el postimpresionismo de primera mano antes de adoptar un estilo claramente modernista. Su obra, caracterizada por una vibrante paleta de colores, retrata el pasado y presente de México a la vez que celebra la lucha obrera a nivel mundial.

Saturnino Herrán (1887-1918)

“La ofrenda” Foto: Museo Nacional de Arte (vía Wikimedia Commons dominio público)

En su corta vida, Saturnino Herrán desarrolló un estilo figurativo con alegorías profundas que le valió convertirse en un pilar de la corriente indigenista y un precursor del muralismo mexicano. “Herrán, célebre representante del modernismo plástico mexicano, se nutrió de tendencias internacionales para retratar tanto exotismos y simbolismos como figuras de la vida cotidiana y de la gente común, que configuraron en sus pinturas un imaginario del ‘alma nacional’”, dice el Museo Nacional de Arte.

Nahui Olin (1893-1978)

 

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Carmen Mondragón, mejor conocida como Nahui Olin, fue una pintora y poeta adelantada a su época y cuyos ideales sacudieron a la sociedad mexicana. Su obra pictórica, que suele ser adscrita a la corriente naíf por los críticos de arte, destaca por su espontaneidad y una suave paleta de colores, con las que exploró temas como el erotismo y escenas cotidianas en las calles de México. Sus pinturas más famosas son sus autorretratos, en los que sus brillantes ojos verdes son el centro de la composición.

David Alfaro Siqueiros (1896-1974)

“Apoteosis de Cuauhtémoc” (1951) Foto: Anderson KL vía Wikimedia Commons (CC BY-SA 4.0)

David Alfaro Siqueiros, uno de los grandes exponentes del muralismo mexicano, es recordado por su estilo dinámico. Sus obras, caracterizadas por trazos gruesos de color negro y una paleta de colores encendida, expresan emociones intensas a través de una mezcla entre la tradición mexicana y elementos del surrealismo y el expresionismo europeo. Comprometido profundamente con los ideales socialistas, Siqueiros buscaba el balance entre las técnicas pictóricas y la revolución tecnología de la época para inspirar a los sectores más vulnerables.

Rufino Tamayo (1899-1991)

“Dualidad” (1964) Foto: Nicolás Boullosa vía Wikimedia Commons (CC BY 2.0)

A lo largo de su carrera, Rufino Tamayo mezcló estilos europeos como el cubismo y el surrealismo con motivos de la cultura popular mexicana–siempre cargados de un profundo simbolismo–, valiéndose de una explosiva paleta de colores y una estética experimental. De origen zapoteco, tuvo una relación cercana con los temas sociales, aunque se diferenció del grupo de los pintores mexicanos de su época, como Rivera y Siqueiros, al enfocarse en cuestiones estéticas formales en lugar de dejar que el discurso político fuese el centro de su obra. Su participación en la Bienal de Venecia de 1950 lo catapultó al estrellato internacional. 

María Izquierdo (1902-1955)

“María Izquierdo, Retrato” Foto: Casasola / Instituto Nacional de Antropología e Historia / Sistema Nacional de Fototecas (CC BY-NC-ND 4.0)

María Izquierdo fue la primera artista plástica en exponer fuera de México. En su obra encontramos autorretratos, paisajes y naturalezas muertas envueltos en un aire surrealista influenciado claramente por el folklore mexicano. A lo largo de su vida, denunció la hegemonía que ejercían los artistas masculinos en la escena cultural de México –“es delito ser mujer y tener talento”, dijo en 1953– y optó por darle un lugar protagónico a la figura femenina en su obra, donde la soledad y lo onírico son temas recurrentes.

Juan O'Gorman (1905-1982)

Photo: ibrester/Depositphotos

Juan O'Gorman se destacó tanto como pintor como arquitecto, creando obras adelantadas a su tiempo en ambas disciplinas. En el ámbito de la pintura, resalta su Autorretrato múltiple de 1950, que explora sus múltiples facetas artísticas desde diversos ángulos en una composición vanguardista. O'Gorman también creó detallados murales para edificios públicos y privados, en los que retrata episodios de la historia de México a través de decenas de personajes. No obstante, su obra más famosa es quizás el mural que decora la Biblioteca Central de la Universidad Nacional Autónoma de México. Elaborado con piedras de colores obtenidas en distintos lugares de México, la pieza juega con los límites conceptuales de la pintura como medio.

Frida Kahlo (1907-1954)

 

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Ninguna lista de pintores mexicanos estaría completa sin mencionar a Frida Kahlo. Esta artista es recordada por sus intensos autorretratos que reflexionaban sobre la identidad, el género y el postcolonialismo en la sociedad mexicana de mediados del siglo XX. A lo largo de su vida, Kahlo sufrió diversos problemas de salud, lo que la llevó a buscar consuelo en la pintura. En consecuencia, Kahlo creó alrededor de 150 obras que siguen siendo estudiadas y exhibidas alrededor del mundo. Es innegable que Frida Kahlo es la artista mexicana más reconocida en el mundo, y su obra acercó la cultura popular mexicana–con la que siempre estuvo profundamente comprometida–a la escena del arte mundial.

Jorge González Camarena (1908-1980)

“La Constitución de 1917”, (1967). Foto: Instituto Nacional de Antropología e Historia / Museo Nacional de Historia (CC BY-NC-ND 2.5 MX)

Originario de Guadalajara, Jalisco, Jorge González Camarena se inspiró en el esplendor de la cultura mexicana para producir algunas de las obras más fascinantes de la historia del arte nacional. Su obra pictórica goza de una estética de influencia cubista que se apropia de la geometría y el color para contar historias desde un enfoque singular. Sus espectaculares murales decoran algunos de los museos más importantes de México, como el Castillo de Chapultepec, el Palacio de Bellas Artes y el Museo Nacional de Antropología.

Aurora Reyes (1908-1985)

 

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Aurora Reyes es considerada la primera muralista mexicana. A lo largo de su vida creó siete piezas monumentales, todos ubicados en la Ciudad de México. Su compromiso con la lucha de las mujeres obreras y campesinas quedó plasmada tanto en sus obras a gran escala, mientras sus cuadros abordan escenas cotidianas y de niños. Fue una amiga cercana de Frida Kahlo y Diego Rivera, y trabajó como maestra de artes plásticas. También se dedicó a la poesía, y sus desafiantes palabras le valieron ser vetada por el gobierno mexicano.

Emilia Ortiz (1917-2012)

“Pareja de coras”. Foto: DrRoque (vía Wikimedia Commons, dominio público)

Emilia Ortiz fue una artista versátil que experimentó con diversos temas y técnicas a lo largo de su vida; produjo desde retratos estilizados en un estilo modernista hasta composiciones surrealistas y piezas que recuerdan al expresionismo abstracto. Por ello, casi es posible trazar la historia del arte del siglo XX a través de su excepcional portafolio, compuesto por más de 4,000 piezas. Ortiz abordó temas como la identidad mexicana—en especial motivos de las culturas cora y huichol– con una clara influencia de Rivera, Orozco y Siqueiros.

Leonora Carrington (1917-2011)

“Autorretrato” Foto: Museo Metropolitano de Arte / missvancamp (vía Wikimedia Commons) (CC BY 2.0)

Aunque nació en el Reino Unido en 1917, Leonora Carrington es considerada una mexicana honoraria. La artista llegó a México en 1942 a causa de la Segunda Guerra Mundial y se enamoró inmediatamente de la escena artística mexicana, lo que la llevó a desarrollar la mayor parte de su carrera ahí. Sus pinturas se caracterizan por pequeñas pinceladas en capas con las que construyó ricas composiciones oníricas. El imaginario de Carrington ha sido comparado al de los surrealistas; sin embargo, a Carrington le interesaba más el realismo mágico, así como el proceso creativo y la sexualidad femenina. 

Pedro Coronel (1923-1985)

 

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Originario de Zacatecas, Pedro Coronel fue pintor, escultor, dibujante y grabador. Coronel realizó sus estudios en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”, y su obra fue principalmente abstracta. También estudió en París, donde perfeccionó su técnica en los talleres del pintor Víctor Brauner. En sus lienzos, Coronel rescató los colores y las formas del arte prehispánico, del cual también era un gran coleccionista. Diego Rivera y Octavio Paz eran grandes admiradores de sus pinturas.

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La próxima vez que estés de excursión, podrías encontrarte con una bella pieza de cerámica totalmente gratis. La artista Kim Press de Sailing Adrift Studios deja regularmente sus exquisitos cuencos y platos para que la gente las recoja durante sus viajes y los lleven a casa. Lo único que pide la artista es que solo los tomen si sienten una conexión con ellos; es decir, que estén seguros de que los apreciarán.

Press, quien reside en Texas, decidió dedicarse a la cerámica después de ser ama de casa por varios años. No tardó en enamorarse de esta actividad y continuó refinando sus habilidades hasta que, finalmente, pudo vender su trabajo en línea. La primera vez que “abandonó” una pieza de cerámica fue por un desafío de Instagram. Sin embargo, a Press le gustó tanto la idea que, en lugar de dejar que fuera algo una sola vez, se acostumbró a llevar algunas piezas de cerámica en sus viajes.

“Me encantó la idea de que cualquiera pudiera encontrar mi trabajo”, le dice a My Modern Met. “Y me encantó la idea de que podía dejar un pedazo de ‘mí' donde quiera que fuera. Al día de hoy, he dejado mi trabajo en 36 estados [de Estados Unidos] y tres países diferentes”. Cada tazón, taza o plato es acompañado por una nota escrita a mano por Press, que le dice a quien lo encuentre que es libre de quedarse con el artículo si les “habla”. “Solo pido que se disfrute, y si gustan me pueden decir dónde terminará”, escribe Press en sus notas.

Puedes comprar las piezas de cerámica de Press a través de su tienda en línea. Mantente al día con sus últimos proyectos siguiéndola en Instagram.

Kim Press, de Sailing Adrift Studios, crea exquisitas piezas de cerámica.

A veces, deja sus obras en lugares inesperados.

Press “abandona” estas obras de cerámica con una nota, invitando a quien las encuentre a tomarlas.

Hasta el momento, ha dejado sus piezas en 36 estados de Estados Unidos y tres países diferentes.

Sailing Adrift Studios: Sitio web | Facebook | Instagram

My Modern Met obtuvo permiso de Kim Press y Sailing Adrift Studios para reproducir estas imágenes.

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Foto: Reddit vía Mohiemen Tanim

El usuario de Reddit Moheimen Tanim publicó hace algunos días unas fotos misteriosas que han despertado la curiosidad del mundo. Las tres imágenes muestran un extraño resplandor rojo en las nubes y, según Tanim, fueron tomadas por un piloto que volaba sobre el Océano Atlántico. Los usuarios respondieron de inmediato con muchas teorías diferentes, desde el Apocalipsis hasta una comparación con una escena de la nueva temporada de Stranger Things. Pero, la explicación más sensata apunta a que la pesca es la culpable de estas luces rojas.

Otro usuario de Reddit señaló que lo más probable es que el resplandor se deba a las luces LED rojas colocadas en los barcos pesqueros que buscan atraer papardas. Los peces son atraídos por las luces y aspirados hacia la embarcación, lo que permite a los pescadores capturar miles de papardas a la vez.

Este método de pesca se usa a menudo para capturar papardas del Pacífico, particularmente por pescadores taiwaneses, japoneses y chinos. La paparda del Atlántico se encuentra desde el Golfo de San Lorenzo al norte hasta las Bermudas y también desde Islandia hasta Marruecos. Entonces, aunque no está claro en qué parte del Atlántico el piloto tomó estas fotos, es muy posible que el brillo rojo se deba a las luces LED.

De hecho, una situación similar ocurrió en mayo en China. Los cielos de una ciudad portuaria se tiñeron de un rojo intenso, provocando el pánico hasta que una empresa pesquera dijo que los cielos apocalípticos habían sido causados por sus barcos pesqueros. La pesca con LED es atractiva para los pescadores porque los LED livianos se traducen en que sus embarcaciones usen menos combustible. También pueden reducir la captura incidental y la necesidad de redes, lo que es bueno para el medio ambiente. Sin embargo, la gran cantidad de peces que atraen significa que la sobrepesca, que puede ser perjudicial para el ecosistema, es un problema persistente.

Cuando los usuarios de Reddit vieron estas imágenes de nubes rojas sobre el Atlántico, muchos respondieron con teorías de conspiración.

Foto: Reddit vía Mohiemen Tanim

Pero lo más probable es que esto se deba a que los pescadores usaron luces LED para atraer peces.

Foto: Delta Electronics vía YouTube

h/t: [Interesting Engineering, Daily Mail]

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La música techno se ha convertido en una herramienta inusual para reconstruir un pueblo en el norte de Ucrania. Yahidne, una localidad de unas 300 personas, fue destruido durante la ocupación rusa. No obstante, los jóvenes del país decidieron no quedarse con los brazos cruzados. Recientemente organizaron un “rave de limpieza” durante el día para ayudar a limpiar los escombros de Yahidne y reparar algunos de sus edificios, todo mientras con música electrónica de fondo.

El centro cultural del pueblo fue una de las estructuras destruidas por misiles rusos en marzo. Para ayudar en los esfuerzos de reconstrucción, los voluntarios removieron escombros con pala y pico y condujeron tractores para mover las ruinas del edificio bombardeado. Mientras eso sucedía, un DJ ponía música techno y dance encima de una pila de cajas de municiones. La gente tomaba descansos para bailar en las áreas abiertas, siendo uno con la música.

“El voluntariado es mi estilo de vida ahora”, explicó Tania Burianova, organizadora de la iniciativa Reparamos Juntos. “Me gusta la música electrónica y solía ir de fiesta. Pero ahora es tiempo de guerra y queremos ayudar, y lo hacemos con música”.

Previo a la guerra, Ucrania era conocida por sus clubes nocturnos que atraían a visitantes de todo el mundo. No obstante, su vibrante escena quedó en silencio cuando Rusia invadió el país el 24 de febrero. Aunque algunos clubes han vuelto a abrir en Kiev, la capital, los toques de queda y la amenaza de ataques rusos ponen una sombra sobre la vida nocturna. Al centrar sus esfuerzos en la reconstrucción con algo de ayuda de EDM, aquellos que han perdido el sentido de comunidad que les daba su centro nocturno favorito pueden recuperar algo de eso.

“Extrañamos (las fiestas) y queremos volver a la vida normal”, lamenta Burianova, “pero nuestra vida normal ahora es el voluntariado”.

Los jóvenes en Ucrania están organizando un “raves de limpieza” durante el día para ayudar a limpiar los escombros de los lugares destruidos ​​por los ataques rusos.

Una de las últimas fiestas fue en Yahidne, una localidad de unas 300 personas.

Mientras la gente limpiaba los escombros, un DJ ponía música techno y dance encima de una pila de cajas de municiones.

Algunos tomarían descansos para bailar.

Mira más en este video:

h/t: [Reddit]

Todas las imágenes vía YouTube.

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Foto: elenathewise/Depositphotos

Con sus características alas naranjas y negras, la mariposa monarca une a toda América del Norte. Ligera como el aire, esta criatura migratoria hace un increíble viaje cada año, convirtiéndola en una de las especies animales más fascinantes del mundo. Desafortunadamente, las poblaciones de esta famosa mariposa se reducen año con año. Sus números han caído tanto, que recién se han convertido en una especie en peligro de extinción, una señal de advertencia para el futuro de otras especies.

La mariposa monarca es conocida por su recorrido de 4,000 kilómetros. Su población se divide en dos: occidentales y orientales. La población occidental pasa el invierno en California y se reúne al oeste de las Montañas Rocosas. Las mariposas del este llegan a Canadá en el verano y pasan el invierno en los bosques de abetos mexicanos. Desafortunadamente, ambos grupos están sufriendo la pérdida de su hábitat debido al cambio climático, entre otros factores. El uso de pesticidas también continúa envenenando a las mariposas y erradicando su algodoncillo preferido.

Las monarcas occidentales han pasado de aproximadamente 10 millones en la década de 1980 a menos de 2,000 en 2021. La población oriental también ha disminuido en un 84% entre 1996 y 2014, aunque ha tenido un poco más de suerte. Esta drástica disminución ha llevado a la Unión Internacional para la Conservación de la Naturaleza (UICN) a agregar la mariposa monarca migratoria (Danaus plexippus plexippus) a su Lista Roja de Especies Amenazadas. “La actualización de la Lista Roja de hoy destaca la fragilidad de las maravillas de la naturaleza, como el espectáculo único de las mariposas monarca que migran a lo largo de miles de kilómetros”, dijo Bruno Oberle, director general de la UICN, en un comunicado. Estas famosas mariposas se enfrentan a muchos obstáculos en su ecosistema.

Oberle señala: “Para preservar la rica diversidad de la naturaleza, necesitamos áreas protegidas y conservadas efectivas y gobernadas de manera justa, junto con acciones decisivas para abordar el cambio climático y restaurar los ecosistemas. A su vez, la conservación de la biodiversidad apoya a las comunidades al proporcionar servicios esenciales como alimentos, agua y empleos sostenibles”. Salvar a las mariposas requerirá un esfuerzo conjunto, pero lo vale por esta criatura sin igual.

La mariposa monarca ahora es una especie en peligro de extinción. Su población se ha reducido drásticamente en las últimas décadas.

Foto: natticastillog/Depositphotos

h/t: [National Geographic, NBC]

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Después de un estudio de siete meses en un centro de investigación en Estados Unidos, 4,000 beagles fueron rescatados. No obstante, ahora el desafío es trasladar todos estos perros a refugios para brindarles el cuidado adecuado y colocarlos en hogares seguros y amorosos.

PETA descubrió que Envigo RMS, un centro de investigación en Cumberland, Virginia, estaba criando beagles para investigación y pruebas farmacéuticas. Además los mantenían en “condiciones horribles”, pues se descubrió que los perros estaban desnutridos, enfermos y heridos. “La innovadora investigación encubierta de PETA ayudó a desencadenar un efecto dominó histórico de las acciones legislativas y policiales estatales y federales que allanaron el camino para la independencia de estos perros y el cierre de esta prisión para perros”, dice Daphna Nachminovitch, vicepresidenta sénior de Investigaciones de Crueldad de PETA. “Las víctimas sobrevivientes de Envigo pronto tendrán la oportunidad de tener lo que todo perro merece: la libertad de disfrutar la vida, el amor y el respeto por su individualidad como miembros de una familia y un hogar”.

Después de un año de investigaciones, a la Sociedad Protectora de Animales de los Estados Unidos finalmente se le otorgó un plan de traslado el 9 de julio para sacar a los 4,000 beagles restantes de Envigo. Por lo tanto, refugios de todo el país están intentando decidir cómo albergarán a todos estos animales. Esto significa enviar perros a estados tan lejanos como Texas, Wyoming y California. “Es uno de los rescates más abrumadores de los que he oído hablar o en los que he tenido el privilegio de participar”, dice John Ramer, director ejecutivo del santuario de animales Kindness Ranch en Wyoming. “Cuando saco a un perro de una instalación, puedo acariciarle la cabeza, darle un abrazo y decirle que todo va a estar bien. Pero sacar 4,000… es una cantidad inconcebible de perros”.

Homeward Trails Animal Rescue, un refugio ubicado cerca de las instalaciones de investigación originales de Cumberland, ya ha acogido a cientos de beagles; sin embargo, están enfocando sus esfuerzos en albergar perras preñadas y cachorros, ya que es más difícil moverlos de manera segura. Es probable que los perros adultos lleguen a albergues de todo Estados Unidos, donde sea que haya espacio. Antes de que cualquiera de estos animales pueda ser adoptado, todos recibirán atención médica y serán esterilizados. Pero la esperanza es que cada uno de estos perros rescatados pueda encontrar una vida mejor con una familia amorosa muy pronto.

4,000 beagles que fueron rescatados de un centro de investigación en Estados Unidos están siendo transferidos a refugios de todo el país y puestos en adopción.

 

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h/t: [People]

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Hace casi 30 años, el escultor Jeremy Mayer desarmó una máquina de escribir. Al hacerlo, descubrió un medio que combinaba la creatividad con su amor por la máquinas vintage. Como la mayoría de las personas de cierta edad, Mayer recuerda haber tenido una máquina de escribir en casa. De niño, quedó fascinado con su diseño y movimiento. Ahora, como adulto, sus esculturas, que retratan pájaros de todo tipo, son maravillas estéticas que nos hacen pensar en el pasado y hacia dónde se dirige la tecnología.

Cada escultura está hecha de partes de diferentes máquinas de escribir que Mayer ha coleccionado a lo largo de las últimas décadas. No usa pegamento ni soldaduras; las esculturas son construidas usando los tornillos, tuercas y pernos de la máquina de escribir.

“Todo el proceso es como [usar] bloques de LEGO”, le dice a My Modern Met. “Mi proceso de estudio consiste en construir un enorme rompecabezas con infinitas combinaciones, usando solo lo que tengo a mi disposición de inmediato. La construcción implica mucho desmontaje y luego montaje de la escultura en curso, ya que las cosas no siempre se quedan unidas o no se ven del todo bien a la primera. Puede ser increíblemente frustrante, pero siempre, en última instancia, gratificante”.

Desde cuervos que mueven la cabeza hasta delicados gorriones que pueden extender sus alas, las esculturas de pájaros de Mayer capturan magistralmente la personalidad de cada animal. Después de varias décadas de usar máquinas de escribir, una elección que inicialmente fue provocada por su amor por el reciclaje y las finanzas personales, aún encuentra inspiración en ellas. “Elegir esta forma específica de hacer arte y fomentar una relación con una sola máquina”, comparte Mayer, “ha sido un viaje gratificante y en constante cambio”.

Por supuesto, también es muy consciente de que algunos pueden tener reacciones negativas al hecho de que desmonte de estas máquinas, señalando que las personas a menudo hacen las mismas preguntas que él se hizo cuando desarmó su primera máquina de escribir. Estas preguntas incluyen, “¿alguien debería estar haciendo esto con una máquina tan útil y bellamente diseñada que ya no se produce? ¿Qué pasa con todas las personas que se escribieron entre sí con esta máquina? ¿Cómo puede [él] destruir una máquina que parece estar imbuida de una personalidad? ¿Qué dice esto sobre nuestra relación personal con las máquinas, particularmente a medida que la tecnología y la sociedad avanzan y evolucionan?”.

Pero, como señala Mayer, estas preguntas nos rodean a medida que evolucionamos constantemente y superamos los límites de la tecnología. Esto incluye, entre otros, la IA, el poder de las redes sociales y el ADN programable.

Mayer pregunta: “¿Qué es una máquina? ¿Qué es la vida? Todas estas son preguntas que solo puedo responder haciendo mi trabajo. Todavía no tengo ninguna respuesta, pero siempre siento que me estoy acercando”.

Para conocer más sobre el proceso creativo de Mayer y su amor por las máquinas de escribir, mira el documental California Typewriter de 2016. Si te gustaría adquirir una escultura, Mayer da informes a través de Instagram.

Desde hace casi 30 años, Jeremy Mayer ha creado esculturas con piezas de máquinas de escribir.

Su trabajo incluye esculturas de aves, incluyendo algunas piezas móviles.

 

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Para crear sus esculturas, Mayer desarma diferentes máquinas de escribir y une las piezas.

No usa pegamento ni soldaduras; todo se mantiene unido usando solo piezas de máquina de escribir.

 

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“Elegir esta forma específica de hacer arte y fomentar una relación con una sola máquina ha sido un viaje gratificante y en constante cambio”.

Jeremy Mayer: Sitio web | Instagram

My Modern Met obtuvo permiso de Jeremy Mayer para reproducir estas imágenes.

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La fotografía The Terror of War (“El terror de la guerra”), ganadora del premio Pulitzer, se ha convertido en un símbolo de la Guerra de Vietnam. Conocida también como Napalm Girl (“La niña del napalm”) o “La niña de la guerra de Vietnam”, esta aterradora imagen del fotoperiodista Nick Ut muestra a una niña de tan solo 9 años corriendo desnuda después de un ataque con napalm el 8 de junio de 1972 en Vietnam. Esa niña, que hoy es una mujer de 59 años, se llama Phan Thi Kim Phúc. Thi sufrió heridas graves como consecuencia de ese ataque, pero cinco décadas después, finalmente terminó su tratamiento contra las quemaduras.

Esta histórica imagen muestra las atrocidades de la guerra. En ella, Thi aparece gritando y huyendo del fuego; su ropa se desintegró en cuanto fue alcanzada por el napalm. “Todavía recuerdo mi brazo y ver todo el fuego. Estaba tan aterrorizada, y estaba tan asustada. Y le di gracias a Dios que no se me quemaron los pies, y pude salir corriendo de ese fuego…. Seguimos corriendo y corriendo y corriendo por un rato”, recuerda. “Y grité ‘¡Muy caliente! ¡Está muy caliente! Los soldados trataron de ayudarme. Intentaron echarme agua encima y en ese momento perdí el conocimiento”.

Ut fue quien finalmente salvó a Thi. “Después de que tomó la foto, vio que me quemaba tanto… dejó la cámara y me llevó al hospital más cercano, y pensé que me había salvado la vida”, compartió. “Yo le debo todo. Él es mi héroe. No solo hizo su trabajo como fotógrafo, sino que también hizo más como ser humano. Él ayudó. Ahora siento que es parte de mi familia. Por eso lo llamo tío Ut”.

Thi pasó 14 meses en el hospital después del ataque. “Estaba realmente deformada”, explica. “No podía sentir nada, y una máquina tuvo que ayudarme a despertar mis nervios. Ahora, me ves normal”. Esto culminó con una 12ª y última ronda de tratamiento con láser en el Miami Dermatology and Laser Institute. Thi todavía sufre de dolor continuo desde ese horrible día, pero el tratamiento, realizado en su espalda quemada, ayudó a curar algunas de sus cicatrices físicas.

El 50 aniversario de la foto de “La niña de la guerra de Vietnam” fue un momento de reflexión para Thi. “Quiero que todos celebren mi vida, 50 años después. Ya no soy una víctima de la guerra. Soy una sobreviviente. Siento que hace 50 años fui víctima de la guerra, pero 50 años después, soy una amiga, una ayudante, una madre, una abuela y una sobreviviente que clama por la paz”.

La fotografía The Terror of War (“El terror de la guerra”), del fotógrafo Nick Ut, es un símbolo de la guerra de Vietnam. La imagen muestra a una niña corriendo después de un ataque con napalm.

 

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Han pasado 50 años desde que Kim Phuc Phan Thi, la niña de la foto, sobrevivió al ataque. Recientemente terminó su tratamiento para ayudar a curar algunas de las cicatrices en su espalda.

 

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h/t: [The Premier Daily]

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Primer lugar, Retratos: Josh Valcarcel – Centro Espacial Johnson
Retrato oficial de la NASA del astronauta Tom Marshburn vistiendo el traje espacial de la Unidad de Movilidad Extravehicular en el Estudio Fotográfico del Edificio 8 en el Centro Espacial Johnson, 19 de julio de 2021.

Aunque al pensar en fotografías de la NASA, se nos vienen a la mente las históricas primeras imágenes del telescopio espacial James Webb, esta agencia espacial nos recuerda que también toman imágenes increíbles aquí en la Tierra. El concurso NASA Photographer of the Year (o fotógrafo del año de la NASA) 2022, celebra el arduo trabajo de los fotógrafos de la agencia. Los ganadores de este año fueron anunciados en un tuit publicado por el Departamento de Fotografía de la oficina central de la NASA.

Las imágenes ganadoras se dividieron en cuatro categorías: Retratos, Personas, Documentación y Lugares. El fotógrafo Josh Valcarcel, del Centro Espacial Johnson, obtuvo el primer lugar de la categoría de Retratos por su evocadora foto en blanco y negro del astronauta Tom Marshburn. Norah Moran, quien aparece varias veces en la lista, ganó la categoría de Documentación por su mirada a los sujetos de prueba que exploran el Rock Yard de la NASA.

Los fotógrafos ganadores tienen un papel fundamental para ayudar a la NASA a difundir su misión y progreso al darnos un vistazo tras bambalinas. Al centrarse casi por completo en las personas que hacen que suceda la magia, las fotos son un recordatorio de las increíbles habilidades que poseen los humanos y los logros que pueden alcanzar.

Echa un vistazo a una selección de las imágenes ganadoras a continuación y conoce más sobre las personas y los lugares que conforman la NASA.

La NASA anunció a los ganadores del concurso Fotógrafo del año de la NASA 2022.

Congrats to the first place winners of NASA's fourth annual “Photographer of the Year” awards: Documentation: Norah Moran; Portrait: Josh Valcarcel; People: Denny Henry; and Places: Dominic Hart! https://t.co/Uw5T6IWsZn pic.twitter.com/7DGHqvdSoE

— NASA HQ PHOTO (@nasahqphoto) July 6, 2022

Los ganadores y finalistas dan al público un vistazo tras bambalinas de los trabajos que realiza la NASA.

Primer lugar, Documentación: Norah Moran – Centro Espacial Johnson
Los sujetos de prueba Kelsey Young y Tess Caswell evalúan las tareas de geología del campo lunar como parte de las pruebas de desarrollo de operaciones nocturnas de Exploración de Actividad Extravehicular (xEVA) realizadas en el Rock Yard del Centro Espacial Johnson.

Segundo lugar, Lugares: Norah Moran – Centro Espacial Johnson
Prueba de antena xEMU que se está realizando en la cámara anecoica B14 para inspeccionar las zonas de exclusión de MLI para las antenas. El artículo de prueba de xEMU se llama xGUS, el sucesor del artículo de prueba de EMU también llamado GUS (llamado así por Gus Grissom y su icónico traje espacial plateado). Imagen tomada desde donde se encuentra la “bocina” que envía señales de radiofrecuencia para la prueba.

Primer lugar, Personas: Denny Henry – Centro de Vuelo Espacial Goddard
El técnico de ingeniería Ryan Fischer aprieta el anillo del indicador de fuerza en la mesa vibratoria en preparación para la prueba de vibración de la nave espacial PACE en el Centro de Vuelo Espacial Goddard de la NASA en Greenbelt, Maryland, el 16 de junio de 2021.

Primer lugar, Lugares: Dominic Hart
El equipo Blue Angels recorre la entrada de la sección de prueba del túnel de viento de NFAC en el edificio N221.

Segundo lugar, Retratos: Norah Moran – Centro Espacial Johnson
El astronauta de la NASA Jonny Kim con un traje presurizado de gran altitud usado en el avión WB-57, que es capaz de volar a altitudes de más de 18,000 metros.

Tercer lugar, Personas: Jim Ross
Aviones F-15 N897NA.

Tercer lugar, Lugares: Bill Ingalls
El cohete SpaceX Falcon 9 con la prueba de redirección de doble asteroide, o DART, con la nave espacial a bordo, se ve durante el amanecer del martes 23 de noviembre de 2021 en el Complejo de Lanzamiento Espacial 4E, Base de la Fuerza Espacial Vandenberg en California. DART es la primera prueba de defensa planetaria a gran escala del mundo, que demuestra un método de tecnología de desviación de asteroides. La misión fue construida y es administrada por Johns Hopkins APL para la Oficina de Coordinación de Defensa Planetaria de la NASA.

Tercer lugar, Documentación: Bill Stafford, NASA-JSC HOUSTON T.
Apoyo fotográfico y cobertura de evaluación de campo nocturna. Prueba EVA #1

Departamento de Fotografía de la oficina central de la NASA: Twitter | Flickr

Todas las imágenes vía NASA.

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