Los pintores dominicanos, con influencias y orígenes diversos, han hecho de su país uno de los más ricos y fascinantes en cuanto a producción artística, no solo en la región caribeña, sino a nivel continental. Desde cuadros costumbristas hasta composiciones reveladoras, la obra de los artistas dominicanos destaca por la determinación de sus pinceladas, la riqueza de técnicas y la pluralidad de perspectivas.

Conoce a 11 pintores dominicanos que dejaron huella en la historia del arte de su país.

Leopoldo Navarro (1862-1908)

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Una publicación compartida por Alex Marte Campos (@alexmartecampos)

Leopoldo Navarro fue un matemático, educador, pintor y escultor. Nacido en Santo Domingo, vivió en París y Madrid, donde perfeccionó su técnica pictórica. Inspirado por el impresionismo, experimentó con el uso de la luz y el color en sus composiciones. Entre sus obras, destacan sus retratos en acuarela en pequeña escala, como Espadachín y Las Canasteras. Fue un promotor clave de las artes y el desarrollo cultural en República Dominicana, por lo que una importante avenida de la ciudad de Santo Domingo lleva su nombre.

Celeste Woss y Gil (1891-1985)

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Una publicación compartida por William Pinfold (@williampinfold)

Celeste Woss y Gil fue la primera mujer dominicana en convertirse en artista profesional. Su padre era Alejandro Woss y Gil, quien fue presidente de la República Dominicana, por lo que pasó sus primeros años de vida en el exilio en Francia y Cuba. Además de ser artista plástica y profesora, fue una activista feminista y formó parte del movimiento sufragista. Estudió y expuso en Nueva York en la década de 1920. Además, en 1942 participó en la fundación de la Escuela Nacional de Artes Visuales.

Yoryi Morel (1906-1979)

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Una publicación compartida por F. Nader Gallery (@fnaderartgallery)

Jorge Octavio Morel Tavares, mejor conocido como Yoryi Morel, ha sido considerado el pintor dominicano costumbrista por excelencia, y un pionero de esta disciplina en su país. Inició su educación artística a los 11 años, aunque desarrolló gran parte de sus habilidades de forma autodidacta. En su obra, cuyo hilo conductor es una paleta luminosa de influencia impresionista, hay paisajes llenos de color, escenas de la vida cotidiana y retratos de personas de la clase trabajadora.

Guillo Pérez (1923-2014)

“Carretas y bueyes”, 1976 (vía Wikimedia Commons, CC BY-SA 4.0)

Guillo Pérez, cuyo nombre completo era Guillermo Pérez Chicón, nació en San Victor, Moca, provincia de Espaillat. Su medio preferido era el óleo sobre tela, con el que creaba expansivos paisajes a través del uso de la espátula y pigmentos de colores vivos. Considerado uno de los pintores dominicanos más prolíficos de todos los tiempos, Pérez también fue director de la Escuela de Bellas Artes de La Vega y la Escuela de Bellas Artes de Santo Domingo.

Clara Ledesma (1924-1999)

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Una publicación compartida por Marivell Contreras (@marivellart)

Originaria de Santiago de los Caballeros, Clara Ledesma fue una de las primeras mujeres en realizar sus estudios en la Escuela Nacional de Bellas Artes de República Dominicana. Su obra estuvo influenciada por Marc Chagall, Joan Miró y Paul Klee, y mezcló elementos del expresionismo, el surrealismo y la abstracción. Su obra forma parte de los acervos del Museo Metropolitano de Nueva York, el Museo Metropolitano de Miami, el Museo de Arte Moderno de México y el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid.

Ada Balcácer (1930)

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Una publicación compartida por Artístico RD (@artisticord)

Hoy por hoy, Ada Balcácer es una de las figuras más importantes del arte abstracto en América Latina. Cuando era pequeña, Balcácer soñaba con ser doctora, pero un accidente de equitación provocó que perdiera su brazo. En 1951 ingresó a la Escuela Nacional de Bellas Artes, y posteriormente viajó a Puerto Rico y Estados Unidos para perfeccionar sus habilidades pictóricas. Ha compartido sus conocimientos de marketing con las mujeres artesanas de su país para ayudarlas a comercializar sus productos de manera justa. En 2017 fue nombrada en Reserva Cultural de la Nación por la relevancia de su obra.

Cándido Bidó (1936-2011)

“Paseo de la mañana”, 1979 (vía Wikimedia Commons, CC BY-SA 4.0)

Pintor, dibujante y escultor, Cándido Bidó es considerado uno de los pintores dominicanos más importantes de la historia. Originario de Bonao, Bidó dejó su ciudad natal para desarrollarse como artista. Sus cuadros son protagonizados por personajes del Valle del Cibao, donde pasó sus primeros años. “Puedo verlos y sentirlos siempre a mi alrededor”, dijo el pintor. “Si intentara olvidarlos, no sería fiel a mí mismo”. Su obra es fácilmente reconocible por su paleta de colores, en la que reinan los colores primarios en tonalidades intensas.

Amable Sterling (1943)

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Una publicación compartida por F. Nader Gallery (@fnaderartgallery)

Nacido en La Romana, en la costa caribeña, Amable Sterling es un pintor, muralista y dibujante egresado de ​​la Escuela Nacional de Bellas Artes. Su obra ha sido creada en su mayoría en tonos azules, grises y violetas, con los que explora los volúmenes y posibilidades gestuales de la anatomía humana. Algunos de sus murales pueden apreciarse en el Parque Mirador Sur, uno de los espacios verdes más importantes de Santo Domingo. Sterling obtuvo el premio Identidad Latinoamericana de la Bienal de Miami de 1986.

José García Cordero (1951)

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Una publicación compartida por Lyle O. Reitzel Gallery (@lorgallery)

Originario de Santo Domingo, José García Cordero es un pintor, fotógrafo y dibujante que radica en Francia desde 1977. Afirma haber descubierto el arte a través del arte popular en Santiago, los globos de la Virgen de la Altagracia, el carnaval y el árbol de Navidad de su madre. Su imaginario, onírico, oscuro e inquietante, cobra vida a través de una paleta de grises donde el ocasional rojo confiere poder a composiciones que confrontan al espectador con la parte más oscura del subconsciente.

Scherezade García (1966)

Foto: Scherezade García (vía Wikimedia Commons, CC BY-SA 4.0)

Nacida en Santo Domingo, Scherezade García es una pintora, grabadora y artista de la instalación. García emigró a Nueva York a los 20 años para estudiar en la Parsons The New School for Design. Desde que se afincó en la Gran Manzana, sus obras reflexionan sobre las memorias en el hogar que dejó y las dificultades para encontrar su lugar en un nuevo país. Su obra forma parte de las colecciones del Museo Smithsoniano de Arte Americano y el El Museo del Barrio de Nueva York.

Mónica Hernández (1995)

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Una publicación compartida por Mónica Hernández, great gal. (@monicagreatgal)

Radicada en Nueva York, Mónica Hernández ha causado revuelo en la escena del arte contemporáneo por sus obras que exploran la forma femenina desde una perspectiva personal. “Mi trabajo no está hecho simplemente para empoderar a las mujeres de color. Es más una cuestión de qué significa ser yo y reflexionar sobre mis experiencias”, le dijo a Teen Vogue. “En Historia del Arte, aprendemos sobre artistas blancos que hacen pinturas con mujeres desnudas como sujetos. Quiero darle la vuelta a eso”.

Este artículo ha sido editado y actualizado.

Artículos relacionados:

12 Pintores venezolanos que dejaron huella en la historia del arte

10 Pintores colombianos cuya obra no te puedes perder

12 Pintores españoles que todo amante del arte debe conocer

16 Pintores mexicanos que todo amante del arte debe conocer

READ: 11 Pintores dominicanos que dejaron su huella en la historia del arte

Izquierda: Frida Kahlo. Centro: David Alfaro Siqueiros. Derecha: José María Velasco.

En los últimos 150 años, los pintores mexicanos se han convertido en un referente artístico a nivel mundial. Claramente influenciados por su contexto geopolítico e histórico, a los pintores mexicanos los une en su mayoría un fuerte compromiso con las causas sociales de su época –en particular, de la primera mitad del siglo XX.

Valiéndose de una gran variedad de técnicas, estos pintores crearon desde retratos y paisajes hasta piezas oníricas que tienen sus bases en el imaginario local, dando vida a una escuela artística única en el mundo y que sigue inspirando a generaciones de artistas más allá de sus fronteras.

Aquí te presentamos 16 pintores mexicanos que todo amante del arte debe conocer.

José María Velasco (1840-1912)

“Valle de México, 1888” Foto: Museo Nacional de Arte (vía Wikimedia Commons, dominio público)

José María Velasco es el pintor de paisajes más célebre de la historia del arte en México. Su carrera inició en un momento en el que la pintura giraba en torno a composiciones religiosas e históricas protagonizadas por figuras humanas, por lo que su dedicación y talento para documentar fielmente la naturaleza lo convirtió en un artista revolucionario para la época. Sus trazos precisos y su sensible paleta de colores han transformado a sus cuadros en recursos históricos y geográficos para estudiar los efectos de la explosión demográfica en el centro de México en los últimos 150 años.

Dr. Atl (1875-1964)

Foto: Instituto Nacional de Antropología e Historia / Sistema Nacional de Fototecas (CC BY-NC-ND 4.0)

Gerardo Murillo, mejor conocido como Dr. Atl, fue un paisajista, escritor y vulcanólogo que destacó entre los pintores mexicanos. Tras estudiar pintura, filosofía y leyes en Europa, hizo un llamado en favor del desarrollo de un arte público que abordara los problemas e intereses de la sociedad, por lo que es considerado uno de los precursores del muralismo mexicano. Fue una figura clave en la transición de la influencia europea de principios del siglo XX hacia la apreciación del arte popular mexicano en el periodo posrevolucionario. Además de sus espectaculares pinturas de paisajes volcánicos, su pasión por este tema lo llevó a documentar la erupción del Paricutín, uno de los volcanes más jóvenes del mundo, en 1943.

José Clemente Orozco (1883-1949)

Fotos de stock por zeelichsheng/Shutterstock

Las obras de José Clemente Orozco–uno de los grandes exponentes del muralismo mexicano junto con Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros– abordan temas como ritos prehistóricos, las raíces culturales de los pueblos indígenas del occidente de México, la opresión ejercida por los conquistadores españoles y la lucha independentista desde una perspectiva expresionista que se cruza con el realismo social. Orozco, un pintor comprometido con las causas sociales, es recordado por su estilo dinámico con una tendencia dramática, presente especialmente en los murales del Hospicio Cabañas.

Diego Rivera (1886-1957)

“Epopeya del pueblo mexicano”. Fotos de stock por Florian Augustin/Shutterstock

Diego Rivera es recordado por sus murales con temática social, plasmados en edificios públicos de México y Estados Unidos. Este pintor demostró un interés por las artes desde pequeño, lo que le valió el apoyo para viajar a Europa para estudiar el trabajo de grandes maestros como Goya. Estas vivencias le permitieron experimentar con el cubismo y el postimpresionismo de primera mano antes de adoptar un estilo claramente modernista. Su obra, caracterizada por una vibrante paleta de colores, retrata el pasado y presente de México a la vez que celebra la lucha obrera a nivel mundial.

Saturnino Herrán (1887-1918)

“La ofrenda” Foto: Museo Nacional de Arte (vía Wikimedia Commons dominio público)

En su corta vida, Saturnino Herrán desarrolló un estilo figurativo con alegorías profundas que le valió convertirse en un pilar de la corriente indigenista y un precursor del muralismo mexicano. “Herrán, célebre representante del modernismo plástico mexicano, se nutrió de tendencias internacionales para retratar tanto exotismos y simbolismos como figuras de la vida cotidiana y de la gente común, que configuraron en sus pinturas un imaginario del ‘alma nacional’”, dice el Museo Nacional de Arte.

Nahui Olin (1893-1978)

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Una publicación compartida por Museo Nacional de Arte MUNAL (@munalmx)

Carmen Mondragón, mejor conocida como Nahui Olin, fue una pintora y poeta adelantada a su época y cuyos ideales sacudieron a la sociedad mexicana. Su obra pictórica, que suele ser adscrita a la corriente naíf por los críticos de arte, destaca por su espontaneidad y una suave paleta de colores, con las que exploró temas como el erotismo y escenas cotidianas en las calles de México. Sus pinturas más famosas son sus autorretratos, en los que sus brillantes ojos verdes son el centro de la composición.

David Alfaro Siqueiros (1896-1974)

“Apoteosis de Cuauhtémoc” (1951) Foto: Anderson KL vía Wikimedia Commons (CC BY-SA 4.0)

David Alfaro Siqueiros, uno de los grandes exponentes del muralismo mexicano, es recordado por su estilo dinámico. Sus obras, caracterizadas por trazos gruesos de color negro y una paleta de colores encendida, expresan emociones intensas a través de una mezcla entre la tradición mexicana y elementos del surrealismo y el expresionismo europeo. Comprometido profundamente con los ideales socialistas, Siqueiros buscaba el balance entre las técnicas pictóricas y la revolución tecnología de la época para inspirar a los sectores más vulnerables.

Rufino Tamayo (1899-1991)

“Dualidad” (1964) Foto: Nicolás Boullosa vía Wikimedia Commons (CC BY 2.0)

A lo largo de su carrera, Rufino Tamayo mezcló estilos europeos como el cubismo y el surrealismo con motivos de la cultura popular mexicana–siempre cargados de un profundo simbolismo–, valiéndose de una explosiva paleta de colores y una estética experimental. De origen zapoteco, tuvo una relación cercana con los temas sociales, aunque se diferenció del grupo de los pintores mexicanos de su época, como Rivera y Siqueiros, al enfocarse en cuestiones estéticas formales en lugar de dejar que el discurso político fuese el centro de su obra. Su participación en la Bienal de Venecia de 1950 lo catapultó al estrellato internacional. 

María Izquierdo (1902-1955)

“María Izquierdo, Retrato” Foto: Casasola / Instituto Nacional de Antropología e Historia / Sistema Nacional de Fototecas (CC BY-NC-ND 4.0)

María Izquierdo fue la primera artista plástica en exponer fuera de México. En su obra encontramos autorretratos, paisajes y naturalezas muertas envueltos en un aire surrealista influenciado claramente por el folklore mexicano. A lo largo de su vida, denunció la hegemonía que ejercían los artistas masculinos en la escena cultural de México –“es delito ser mujer y tener talento”, dijo en 1953– y optó por darle un lugar protagónico a la figura femenina en su obra, donde la soledad y lo onírico son temas recurrentes.

Juan O'Gorman (1905-1982)

Photo: ibrester/Depositphotos

Juan O'Gorman se destacó tanto como pintor como arquitecto, creando obras adelantadas a su tiempo en ambas disciplinas. En el ámbito de la pintura, resalta su Autorretrato múltiple de 1950, que explora sus múltiples facetas artísticas desde diversos ángulos en una composición vanguardista. O'Gorman también creó detallados murales para edificios públicos y privados, en los que retrata episodios de la historia de México a través de decenas de personajes. No obstante, su obra más famosa es quizás el mural que decora la Biblioteca Central de la Universidad Nacional Autónoma de México. Elaborado con piedras de colores obtenidas en distintos lugares de México, la pieza juega con los límites conceptuales de la pintura como medio.

Frida Kahlo (1907-1954)

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Una publicación compartida por Frida Kahlo (@fridakahlo) el 7 de Jul de 2019 a las 5:09 PDT

Ninguna lista de pintores mexicanos estaría completa sin mencionar a Frida Kahlo. Esta artista es recordada por sus intensos autorretratos que reflexionaban sobre la identidad, el género y el postcolonialismo en la sociedad mexicana de mediados del siglo XX. A lo largo de su vida, Kahlo sufrió diversos problemas de salud, lo que la llevó a buscar consuelo en la pintura. En consecuencia, Kahlo creó alrededor de 150 obras que siguen siendo estudiadas y exhibidas alrededor del mundo. Es innegable que Frida Kahlo es la artista mexicana más reconocida en el mundo, y su obra acercó la cultura popular mexicana–con la que siempre estuvo profundamente comprometida–a la escena del arte mundial.

Jorge González Camarena (1908-1980)

“La Constitución de 1917”, (1967). Foto: Instituto Nacional de Antropología e Historia / Museo Nacional de Historia (CC BY-NC-ND 2.5 MX)

Originario de Guadalajara, Jalisco, Jorge González Camarena se inspiró en el esplendor de la cultura mexicana para producir algunas de las obras más fascinantes de la historia del arte nacional. Su obra pictórica goza de una estética de influencia cubista que se apropia de la geometría y el color para contar historias desde un enfoque singular. Sus espectaculares murales decoran algunos de los museos más importantes de México, como el Castillo de Chapultepec, el Palacio de Bellas Artes y el Museo Nacional de Antropología.

Aurora Reyes (1908-1985)

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Una publicación compartida por Pintoras Mexicanas (@pintoras_mexicanas) el 28 de Jul de 2017 a las 7:14 PDT

Aurora Reyes es considerada la primera muralista mexicana. A lo largo de su vida creó siete piezas monumentales, todos ubicados en la Ciudad de México. Su compromiso con la lucha de las mujeres obreras y campesinas quedó plasmada tanto en sus obras a gran escala, mientras sus cuadros abordan escenas cotidianas y de niños. Fue una amiga cercana de Frida Kahlo y Diego Rivera, y trabajó como maestra de artes plásticas. También se dedicó a la poesía, y sus desafiantes palabras le valieron ser vetada por el gobierno mexicano.

Emilia Ortiz (1917-2012)

“Pareja de coras”. Foto: DrRoque (vía Wikimedia Commons, dominio público)

Emilia Ortiz fue una artista versátil que experimentó con diversos temas y técnicas a lo largo de su vida; produjo desde retratos estilizados en un estilo modernista hasta composiciones surrealistas y piezas que recuerdan al expresionismo abstracto. Por ello, casi es posible trazar la historia del arte del siglo XX a través de su excepcional portafolio, compuesto por más de 4,000 piezas. Ortiz abordó temas como la identidad mexicana—en especial motivos de las culturas cora y huichol– con una clara influencia de Rivera, Orozco y Siqueiros.

Leonora Carrington (1917-2011)

“Autorretrato” Foto: Museo Metropolitano de Arte / missvancamp (vía Wikimedia Commons) (CC BY 2.0)

Aunque nació en el Reino Unido en 1917, Leonora Carrington es considerada una mexicana honoraria. La artista llegó a México en 1942 a causa de la Segunda Guerra Mundial y se enamoró inmediatamente de la escena artística mexicana, lo que la llevó a desarrollar la mayor parte de su carrera ahí. Sus pinturas se caracterizan por pequeñas pinceladas en capas con las que construyó ricas composiciones oníricas. El imaginario de Carrington ha sido comparado al de los surrealistas; sin embargo, a Carrington le interesaba más el realismo mágico, así como el proceso creativo y la sexualidad femenina. 

Pedro Coronel (1923-1985)

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Una publicación compartida por Pedro Coronel Arroyo (@pedrocoroneloficial)

Originario de Zacatecas, Pedro Coronel fue pintor, escultor, dibujante y grabador. Coronel realizó sus estudios en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”, y su obra fue principalmente abstracta. También estudió en París, donde perfeccionó su técnica en los talleres del pintor Víctor Brauner. En sus lienzos, Coronel rescató los colores y las formas del arte prehispánico, del cual también era un gran coleccionista. Diego Rivera y Octavio Paz eran grandes admiradores de sus pinturas.

Este artículo ha sido editado y actualizado.

Artículos relacionados:

La Casa Azul: Cómo la residencia de Frida Kahlo se convirtió en un museo

Remedios Varo: La pintora inconforme que le dio un giro al surrealismo

José Guadalupe Posada: Conoce el impresionante legado del creador de ‘La Catrina’

10 Pintores uruguayos que dejaron huella en la historia del arte latinoamericano

READ: 16 Pintores mexicanos que todo amante del arte debe conocer

Fotos de archivo de Bernardo Ramonfaur/Shutterstock

Por sus vibrantes colores y elaborados detalles, los alebrijes son artesanías muy populares. Originarias de México y creadas por Pedro Linares López, hoy podemos encontrar estas figuras fantásticas en todo tipo de lugares, desde mercados tradicionales hasta en colecciones de museos alrededor del mundo.

Si bien se podría pensar que se trata de una antigua tradición, los alebrijes en realidad fueron inventados hace apenas unas décadas, durante la primera mitad del siglo XX. Sin embargo, que su historia sea corta no quiere decir que no sea fascinante. A continuación te contamos un poco sobre las características de estas figuras de fantasía, así como el peculiar acontecimiento que inspiró su creación.

¿Qué son los alebrijes?

El alebrije es una artesanía mexicana hecha tradicionalmente con la técnica de la cartonería. Se trata de una figura fantástica que combina elementos fisionómicos de varios animales, ya sean reales o imaginarios, y se caracterizan por estar pintados de colores vibrantes.

Y, ¿cómo se hace un alebrije? Todo empieza con una base de alambre quemado que se dobla y moldea para formar el esqueleto de la figura. Posteriormente se cubre con varias capas de periódico y engrudo, usando cartón para darle volumen. La figura de base se pone a secar al sol, y una vez seca se le agregan elementos más detallados, como ojos, picos, alas y garras.

Un alebrije en proceso. (Foto: Wikimedia Commons (CC BY-SA 4.0))

A continuación se alisa la superficie de la figura, y después se cubre con una capa de pintura blanca de base. Finalmente, el alebrije es pintado de varios colores diferentes y decorado con puntos, rayas y otros patrones. Al no usarse moldes para su creación, cada alebrije es único e irrepetible.

Pedro Linares y el origen de los alebrijes

Pedro Linares López nació en 1906 en la Ciudad de México. Cartonero de profesión, Linares trabajaba en un taller en el barrio de La Merced, cerca del Centro Histórico de la ciudad. Al igual que su padre y abuelo, el artesano se dedicaba a la creación de objetos de papel maché, incluyendo piñatas, esqueletos, máscaras y figuras para la quema de Judas.

En 1936, cuando tenía 30 años, Linares se enfermó de gravedad y cayó en un sueño profundo. Se dice que durante el tiempo que estuvo inconsciente, Linares soñó que se encontraba paseando en un bosque extraño. Ahí se topó con varias coloridas criaturas, desde un burro con alas y un león con cabeza de perro hasta un gallo con cuernos de toro, y todas gritaban la misma palabra: alebrijes. Linares eventualmente se recuperó de su enfermedad, y al regresar a trabajar decidió usar sus habilidades como artesano para replicar las criaturas fantásticas de su sueño.

Alebrije creado por Pedro Linares López en 1986. (Foto: Wikimedia Commons, CC BY-SA 3.0)

Las coloridas quimeras poco a poco fueron ganando popularidad, y pronto otros artesanos comenzaron a imitar las creaciones de Linares. En 1975, la cineasta británica Judith Bronowski hizo un documental sobre su trabajo, lanzándolo a la fama tanto nacional como internacionalmente. El artesano también llegó a hacer varios alebrijes para Frida Kahlo y Diego Rivera, cuya colección se encuentra hoy en el Museo Anahuacalli en la Ciudad de México.

En 1990, Pedro Linares recibió el Premio Nacional de Ciencias y Artes en celebración a su trayectoria artística y a sus contribuciones al arte popular mexicano. El artesano falleció dos años después a la edad de 86 años, pero su familia continúa la tradición de los alebrijes hasta el día de hoy.

Los alebrijes de Oaxaca

Aunque los alebrijes se originaron en la Ciudad de México, artesanos de otras partes de la república no tardaron en hacer sus propias versiones. Esto es particularmente cierto en Oaxaca, donde varios artesanos, como Manuel Jiménez, combinaron las tradicionales artesanías de madera tallada de la zona con las ideas de Pedro Linares.

Si bien mantienen los colores vivos de sus contrapartes de papel maché, los alebrijes oaxaqueños se hacen con madera de copal y se inspiran en la idea de los nahuales, seres sobrenaturales que tienen la capacidad de transformarse en animales. Esta forma de hacer alebrijes se extendió a otros pueblos, y hoy hay tres comunidades principales que se especializan en la creación de las figuras de madera talladas: San Antonio Arrazola, San Martín Tilcajete y La Unión Tejalapam. Se estima que hoy existen unas 150 familias de artesanos que se dedican de lleno a la producción de alebrijes.

Manuel Jiménez con uno de sus alebrijes. (Foto: Wikimedia Commons (CC BY-SA 3.0))

Los alebrijes en la actualidad

Hoy en día, los alebrijes forman parte innegable del imaginario cultural y artístico de México, y se trata de una artesanía en constante evolución. Desde el 2007, el Museo de Arte Popular de la Ciudad de México organiza un desfile de alebrijes monumentales con la intención de promover las artes y la cultura folclórica mexicana. En él, cientos de artesanos construyen alebrijes de hasta cuatro metros de altura y los pasean por el centro histórico de la ciudad en un evento lleno de danza, música y color.

Hace un par de años, el museo decidió llevar este evento un paso más lejos al organizar desfiles nocturnos, esta vez con alebrijes iluminados. Del mismo gran tamaño pero hechos de cartón y luces LED, estas enormes construcciones permiten a los artistas llevar su creatividad al límite.

Estas figuras coloridas también han llegado a la gran pantalla. En Coco (2017), los alebrijes aparecen como guías espirituales para los muertos. Entre ellos están Pepita, el enorme felino de Mamá Imelda, y Dante, el perro del protagonista, Miguel, quienes brindan protección y ayuda en el más allá. Incluso la propia Frida Kahlo, quien aparece en la historia, es acompañada por una de esta criaturas. “Los alebrijes son misteriosos y poderosos”, dice la pintora en la película.

Fotos de archivo de schlyx/Shutterstock

Este artículo ha sido editado y actualizado.

Artículos relacionados:

¿Cómo se celebra en México el Día de Muertos?

El colorido armario de Frida Kahlo es revelado tras estar escondido por 50 años

Artista recrea una icónica foto de Frida Kahlo usando solo piedras de colores

READ: Alebrijes: la fascinante historia detrás de estas coloridas artesanías mexicanas

La conservadora jefe Lesley Stevenson observa el cuadro junto a una imagen de rayos X del autorretrato oculto de Van Gogh (Foto: Neil Hanna /Galer´ias Nacionales de Escocia)

Mientras preparaban su exposición A Taste for Impressionism, los conservadores de las Galerías Nacionales de Escocia recurrieron a una técnica habitual en el mundo del arte: los rayos X. Este método se utiliza para examinar lo que hay debajo de los marcos y las capas de pintura. Al examinar un pequeño cuadro de Vincent Van Gogh, titulado Cabeza de campesina, la máquina de rayos X reveló algo sorprendente. En el reverso del lienzo, bajo capas de pegamento y cartón, había un fantasmal autorretrato del legendario artista.

El pintor holandés Van Gogh es más famoso por obras como La noche estrellada, pero sus melancólicos autorretratos también reciben mucha atención. La gente está fascinada con este artista que, en un momento de crisis, llegó a cortarse la oreja. Entre las más de 2,100 obras que creó se encuentra un sencillo retrato de una campesina. Pintado en 1885, justo antes de que el artista se trasladara de su tierra natal a los círculos artísticos de París, el cuadro presenta a una joven bastante seria con un voluminoso gorro blanco.

Al pasar por los rayos X, los conservadores descubrieron una imagen del artista con sombrero, pañuelo y oreja. Van Gogh a menudo reutilizaba los lienzos dándoles la vuelta y pintando en el reverso. El museo cree que el autorretrato se pintó después de Cabeza de campesina, cuando el artista vivía con los impresionistas en París. En esa época, su obra empezaba a ser cada vez más colorida y expresiva. Varios otros autorretratos pintados en el reverso de otras obras datan de ese periodo. El autorretrato fue probablemente cubierto por capas de cartón pegado a principios del siglo XX. Quitar el cartón será un proceso muy delicado, y actualmente los expertos están estudiando cómo podría hacerse. Por ahora, los visitantes del museo podrán disfrutar de una imagen de rayos X en una caja de luz junto al cuadro “original”.

Los conservadores de las Galerías Nacionales de Escocia descubrieron un autorretrato oculto de Vincent Van Gogh.

La radiografía que muestra el autorretrato. (Foto: Galerías Nacionales de Escocia)

Una radiografía rutinaria reveló el boceto fantasmal en el reverso del lienzo bajo capas de pasta y cartón.

“Cabeza de campesina” de Vincent Van Gogh, 1885. (Foto: Galerías Nacionales de Escocia)

Conoce más sobre este fascinante descubrimiento a continuación.

h/t: [BoingBoing.Net]

Artículos relacionados:

‘La noche estrellada’: La historia y el legado de la obra maestra de Van Gogh

Van Gogh: La evolución de su trabajo a lo largo de su corta vida

Cómo el amor de Van Gogh por pintar girasoles floreció durante su corta vida

Museos holandeses lanzan una colección digital gratuita de 1,000+ pinturas de Van Gogh

READ: Conservadores descubren un autorretrato de Van Gogh oculto bajo otra de sus pinturas

Foto: The Doodle Boy
Este artículo puede contener links de afiliados. Si realizas una compra, My Modern Met puede obtener una comisión. Por favor lee nuestra divulgación de afiliados para mayor información.

A la mayoría de nosotros nos lleva tiempo descubrir lo que realmente nos gusta. Sin embargo, un niño de Inglaterra encontró su pasión a una edad extraordinariamente temprana y sigue asombrando a la gente con su talento. Un niño de 12 años llamado Joe Whale, más conocido como The Doodle Boy, se ha hecho famoso por sus divertidos garabatos. Inspirados en su vida y sus intereses, sus dibujos en blanco y negro se extienden por numerosas superficies, como murales, lienzos y, ahora, incluso libros.

“Llevo dibujando y pintando desde los tres años y el arte ha sido una parte muy importante de mi vida: dibujaba, pintaba y hacía manualidades cada vez que podía y eso no ha cambiado hasta hoy”, dice Whale en su página web. Cuando tenía 9 años, lo regañaron en la escuela por hacer garabatos en clase, así que sus padres le apuntaron a un curso de arte extraescolar. Sus compañeros de clase y los instructores rápidamente se dieron cuenta de las prodigiosas habilidades de Whale, y pronto le ofrecieron la oportunidad de decorar el interior de un restaurante en su ciudad natal.

Desde entonces, se ha corrido la voz sobre el talento de Whale para dibujar, lo que le ha dado fama en el Reino Unido y más allá. Sus garabatos abarcan un amplio y aparentemente infinito elenco de personajes con encantadores rostros de caricatura. “Mis personajes favoritos para dibujar son la comida, los monstruos y los extraterrestres”, explica Whale, “pero prácticamente creo garabatos de cualquier cosa, ya que me inspiro en mi entorno y creo personajes a partir de todas las cosas que veo, como mis personajes de hamburguesas y patatas fritas, flores, verduras, pasteles, nubes, etc.”.

Actualmente, el joven artista está ilustrando una serie de libros llamada Bad Food, escrita por Eric Luper. Ya están a la venta los primeros dos libros, Game of Scones, y The Good, and the Bad, and the Hungry, así como un libro para colorear titulado The Official Doodle Boy Coloring Book, que contiene 90 páginas de dibujos en blanco y negro. Además, en su tienda en líneaa se pueden adquirir impresiones y productos decorados con los dibujos de Whale. Si quieres estar al día de las aventuras ilustradas de Whale, puedes seguirlo en Facebook e Instagram.

Joe Whale, un niño de 12 años de edad mejor conocido como The Doodle Boy, se ha hecho famoso por sus llamativos garabatos.

 

View this post on Instagram

 

A post shared by Joe whale (@thedoodleboy.co.uk)

Tras meterse en problemas a los 9 años por dibujar en clase, sus padres lo inscribieron en un curso de arte.

 

View this post on Instagram

 

A post shared by Joe whale (@thedoodleboy.co.uk)

 

View this post on Instagram

 

A post shared by Joe whale (@thedoodleboy.co.uk)

Su habilidad para hacer garabatos rápidamente se hizo notar, y a Whale le ofrecieron decorar el interior del restaurante Number 4 de Shrewsbury, Inglaterra.

 

View this post on Instagram

 

A post shared by Joe whale (@thedoodleboy.co.uk)

Desde entonces, ha tenido colaboraciones con grandes marcas como Nike y Disney.

 

View this post on Instagram

 

A post shared by Joe whale (@thedoodleboy.co.uk)

Check out my latest @Nike collaboration- this time for the @Lionesses big thanks to #berwickhouse for their hospitality!!!#nike #england #lionesses #doodle #comeonengland #football #joewhale #thedoodleboy pic.twitter.com/ZYf3dTFhbJ

— The Doodle Boy (@TheDoodleBoy1) July 12, 2022

Incluso ha ilustrado una serie de libros llamada Bad Food.

 

View this post on Instagram

 

A post shared by Joe whale (@thedoodleboy.co.uk)

The Doodle Boy: Sitio web | Facebook | Instagram | YouTube

Todas las imágenes vía The Doodle Boy.

Artículos relacionados:

Artista pasa 113 días de la cuarentena decorando un muro de su casa con garabatos

Entrevista: Este prolífico dibujante cubre todo a su alrededor con divertidos garabatos

50+ Ideas de garabatos que pondrán a todos a dibujar

READ: Niño de 12 años que se la pasaba dibujando en clase se vuelve famoso por sus garabatos

Hace casi 30 años, el escultor Jeremy Mayer desarmó una máquina de escribir. Al hacerlo, descubrió un medio que combinaba la creatividad con su amor por la máquinas vintage. Como la mayoría de las personas de cierta edad, Mayer recuerda haber tenido una máquina de escribir en casa. De niño, quedó fascinado con su diseño y movimiento. Ahora, como adulto, sus esculturas, que retratan pájaros de todo tipo, son maravillas estéticas que nos hacen pensar en el pasado y hacia dónde se dirige la tecnología.

Cada escultura está hecha de partes de diferentes máquinas de escribir que Mayer ha coleccionado a lo largo de las últimas décadas. No usa pegamento ni soldaduras; las esculturas son construidas usando los tornillos, tuercas y pernos de la máquina de escribir.

“Todo el proceso es como [usar] bloques de LEGO”, le dice a My Modern Met. “Mi proceso de estudio consiste en construir un enorme rompecabezas con infinitas combinaciones, usando solo lo que tengo a mi disposición de inmediato. La construcción implica mucho desmontaje y luego montaje de la escultura en curso, ya que las cosas no siempre se quedan unidas o no se ven del todo bien a la primera. Puede ser increíblemente frustrante, pero siempre, en última instancia, gratificante”.

Desde cuervos que mueven la cabeza hasta delicados gorriones que pueden extender sus alas, las esculturas de pájaros de Mayer capturan magistralmente la personalidad de cada animal. Después de varias décadas de usar máquinas de escribir, una elección que inicialmente fue provocada por su amor por el reciclaje y las finanzas personales, aún encuentra inspiración en ellas. “Elegir esta forma específica de hacer arte y fomentar una relación con una sola máquina”, comparte Mayer, “ha sido un viaje gratificante y en constante cambio”.

Por supuesto, también es muy consciente de que algunos pueden tener reacciones negativas al hecho de que desmonte de estas máquinas, señalando que las personas a menudo hacen las mismas preguntas que él se hizo cuando desarmó su primera máquina de escribir. Estas preguntas incluyen, “¿alguien debería estar haciendo esto con una máquina tan útil y bellamente diseñada que ya no se produce? ¿Qué pasa con todas las personas que se escribieron entre sí con esta máquina? ¿Cómo puede [él] destruir una máquina que parece estar imbuida de una personalidad? ¿Qué dice esto sobre nuestra relación personal con las máquinas, particularmente a medida que la tecnología y la sociedad avanzan y evolucionan?”.

Pero, como señala Mayer, estas preguntas nos rodean a medida que evolucionamos constantemente y superamos los límites de la tecnología. Esto incluye, entre otros, la IA, el poder de las redes sociales y el ADN programable.

Mayer pregunta: “¿Qué es una máquina? ¿Qué es la vida? Todas estas son preguntas que solo puedo responder haciendo mi trabajo. Todavía no tengo ninguna respuesta, pero siempre siento que me estoy acercando”.

Para conocer más sobre el proceso creativo de Mayer y su amor por las máquinas de escribir, mira el documental California Typewriter de 2016. Si te gustaría adquirir una escultura, Mayer da informes a través de Instagram.

Desde hace casi 30 años, Jeremy Mayer ha creado esculturas con piezas de máquinas de escribir.

Su trabajo incluye esculturas de aves, incluyendo algunas piezas móviles.

 

View this post on Instagram

 

A post shared by Jeremy Mayer (@jeremymayer)

Para crear sus esculturas, Mayer desarma diferentes máquinas de escribir y une las piezas.

No usa pegamento ni soldaduras; todo se mantiene unido usando solo piezas de máquina de escribir.

 

View this post on Instagram

 

A post shared by Jeremy Mayer (@jeremymayer)

“Elegir esta forma específica de hacer arte y fomentar una relación con una sola máquina ha sido un viaje gratificante y en constante cambio”.

Jeremy Mayer: Sitio web | Instagram

My Modern Met obtuvo permiso de Jeremy Mayer para reproducir estas imágenes.

Artículos relacionados:

Esta artista talla esculturas de aves tan pequeñas que necesitarás un microscopio para apreciarlas por completo

Estas esculturas de papel de aves y mariposas son tan detalladas que parecen de verdad

Esculturas líricas de mujeres cuentan historias a través de su lenguaje corporal y su gran melena

READ: Artista desarma máquinas de escribir antiguas para crear esculturas de pájaros

Foto: Mint Owl

La práctica es esencial para perfeccionar tus habilidades de dibujo; la única forma de mejorar es aprendiendo las bases y repitiéndolas una y otra vez. Si necesitas pruebas, mira lo que solo algunos años de práctica pueden hacer por tu trabajo: si le dedicas el tiempo suficiente, el progreso puede ser significativo. Solo basta mirar el trabajo de artistas que han pasado de hacer bocetos simples a crear retratos completos en un abrir y cerrar de ojos.

Foto: EndOfAllHope

Si bien la mejor manera de perfeccionar tus habilidades es poniendo manos a la obra, decidir qué dibujar puede llegar a ser difícil. Como en todos los ámbitos creativos, a veces es difícil escapar los “bloqueos” que te detienen de poner el lápiz sobre el papel. Bueno, ¡no te preocupes! Aquí tenemos una lista de 100+ ideas fáciles de dibujo que puedes probar. Esta incluye desde objetos cotidianos hasta paisajes fantásticos; te recomendamos intentar dibujar un poco de todo para que ejercites tu creatividad.

¿Qué materiales puedes utilizar para dibujar?

Antes de ponerte a dibujar necesitarás algunas herramientas y materiales básicos. Aunque en realidad puedes usar cualquier lápiz y papel que tengas en casa, invertir en buenos materiales de dibujo es una gran forma de expandir tus habilidades y hará que tu trabajo final se vea de mayor calidad.

Lápices — los lápices de grafito son el material de dibujo por excelencia. Por lo general se venden por grado de dureza según la escala HB, donde “H” representa la dureza (“hardness”) y “B” la oscuridad del trazo (“blackness”), y la mayoría de los artistas usan una variedad de lápices con diferentes grados de dureza para dar vida a sus creaciones. Si aún no los tienes, aquí puedes ver nuestra lista de recomendaciones de los mejores lápices para dibujar.

Papel — el papel es otro elemento fundamental a la hora de dibujar, pero no todos los papeles son iguales. El papel de copiadora común funciona muy bien para bocetos simples, pero si planeas hacer un dibujo con mucho sombreado, difuminado o muchos borrones, lo mejor será utilizar un papel más grueso. Si quieres saber más, echa un vistazo a nuestra guía de tipos de papel, y aquí también puedes encontrar algunos de nuestros cuadernos de dibujo favoritos.

Lápices de colores — si estás buscando agregar color a tu trabajo, los lápices de colores son una gran opción. Para asegurarte de que sean de buena calidad, pon atención a la profundidad de sus tonos y opta por los que sean de base de aceite en vez de cera, ya que esta última puede ser frágil y difícil de mezclar. Aquí puedes ver nuestras recomendaciones de los mejores lápices de colores.

Plumas de dibujo y estilógrafos — aunque algunos prefieren la apariencia más rústica del grafito, muchos artistas usan estilógrafos y plumas de dibujo para repasar y darle más definición a su dibujo final. Si te gusta este estilo, echa un vistazo a nuestra selección de los mejores estilógrafos y plumas de dibujo.

Foto: Pixabay

Ideas para dibujar que cualquiera puede probar

Ideas de dibujos fáciles inspirados en la vida real:

• El interior de tu sala de estar
• Una planta de tu hogar
• Utensilios de cocina, como un batidor o un cucharón
• Un autorretrato
• Una foto familiar que te encante
• Una persona famosa que admires
• Tus pies (o los pies de alguien más)
• Tus manos (o las manos de alguien más)
• Un collar, anillo, u otro tipo de joyería; combínalos en un bodegón
• Tu mascota u otro animal (aquí es buena idea trabajar con una foto)
• Un ramo de flores (prueba usando lápices de colores)
• Árboles vistos desde tu ventana
• La fachada de tu edificio favorito
• Los objetos en tu mesa de centro
• Tus zapatos más llamativos
• Un animalito bebé
• Fruta fresca cortada a la mitad (los cítricos funcionan bien)
• Llaves de la casa con su llavero
• Una taza de café y un postre de un café local
• Un objeto interesante de tu repisa
• Tu animal silvestre favorito
• Una araña en una telaraña
• La cabeza de alguien vista desde atrás
• Dibuja a alguien en el transporte público
• Una manija o picaporte interesante
• Juega con la perspectiva: mira un edificio o un puente desde abajo
• Tela arrugada
• Un paisaje que ames (como un lugar a donde fuiste de vacaciones)
• Una copia de tu pintura o escultura favorita (puntos extras si está en un museo)
• Recrea ilustraciones científicas de insectos o animales (como las de John James Audubon)
• Tu ojo de cerca
• Un objeto en un plato de cristal
• Lo que traes puesto hoy
• La vista desde tu ventana
• Lo que ves desde el retrovisor de tu auto
• Tu cena de ayer…
• …Antes de que la prepararas (los ingredientes)
• Un grupo de hongos
• Un bodegón con tecnología vieja
• Tu animal de la granja favorito
• Una colección de tus objetos favoritos
• Un retrato de tu pareja
• Ve al parque y dibuja lo que veas
• Una rana en un nenúfar
• La vista desde un puente, ya sea desde arriba o desde abajo
• Cosas acogedoras
• Una escena de tus vacaciones preferidas
• El funcionamiento interno de un objeto mecánico (como un reloj)
• Tu condimento favorito; ¡no olvides la etiqueta!
• Una bailarina en puntas
• Alguien que luce preocupado y se muerde el labio
• Dibuja tu lista de pendientes
• Busca un recibo y dibuja uno de los productos que encuentres en él
• Haz un boceto del mismo objeto de por lo menos cinco maneras diferentes
• Documenta tu día, hora por hora, como si fuera un cómic

Ideas de dibujo para echar a volar tu imaginación

Foto: Javier Gonzalez

Ideas geniales de dibujo que requieren de tu imaginación:

• Combina dos cosas que no vayan juntas en la misma escena
• Dibuja un nuevo tanque para un pez
• Imagina un lobo hecho de ramas
• Cubre una hoja de papel con muchas flores
• Diseña el exterior de tu casa ideal
• Construye tu propio castillo
• Rellena una silueta con motivos geométricos
• Haz tu propio patrón
• Dibuja un bodegón al estilo cubista
• Ilustra un sueño que tú o alguien que conozcas haya tenido
• Imagina la vida bajo el agua
• Imagina un hogar en el espacio exterior…
• …y la nave que te llevará hasta allí…
• …y las criaturas que conocerás
• Dibuja tu memoria favorita
• Todo el mundo está al revés (arriba es abajo y abajo es arriba)
• Un animal vestido como humano
• Dale rostro a un objeto
• Un vecindario de casas del árbol
• Una amistad inusual
• Una loca fiesta de té
• Un montacargas cargando espagueti con albóndigas
• Vista aérea de tu lugar favorito
• Superhéroes en la vida real
• Dos personajes de la cultura pop combinados
• Interior al estilo de M.C. Escher
• Tu mundo en bloques de LEGO
• Un dibujo de un dibujo
• Cambia la escala de dos objetos
• Está lloviendo… (pero no es agua)
• Tu casa de ensueño
• Ilustra la frase “qué pequeño es el mundo”
• … o “la cabeza en las nubes”
• Imagina una ciudad en el espacio exterior
• Una llama usando un sombrero
• Muchas mandalas de formas y tamaños diferentes
• Ilustra una parte de tu canción favorita
• Reimagina un patrón conocido como el diseño de cachemira
• Ilustra un modismo
• Elige tres palabras al azar y dibuja lo que significan juntas
• Tu personaje de videojuegos favorito
• Un paisaje urbano en unos lentes
• Un animal como un globo
• Inventa tu propia flor; para hacerlo más difícil, dibuja el ramo entero
• Combina varios animales para crear una sola criatura (como un alebrije)
• Inventa una banda y dibuja la portada de su álbum
• Dibuja una nueva portada de álbum de un artista existente

Si quieres todavía más ideas para dibujar, ¡adquiere tu copia de 642 Things to Draw!

Aprende cómo ejecutar tus ideas de dibujos paso a paso

Si bien hay un número infinito de ideas para dibujar, algunos de los temas más populares tienden a estar relacionados con la naturaleza o giran en torno a la figura humana. Conoce cómo dibujarlos con algunas de las siguientes guías paso a paso. Quién sabe: ¡a lo mejor se te ocurrirán más ideas para dibujar mientras aprendes!

Foto: rawpixel

Cómo dibujar un gato de dos maneras diferentes — Ya sea que quieras dibujar miles de pequeños pelos o que estés buscando inventar al próximo Garfield, esta guía introducirá a la anatomía básica de los gatos y te enseñará cómo dibujarlos de una manera realista o estilizada.

Dibuja un tigre paso a paso — ¿Listo para dibujar un gran felino? Aprende a dibujar u tigre en 10 pasos.

Aprende a dibujar un panda — Los pandas están entre los animales más queridos del mundo, y es fácil ver por qué. Este tutorial te enseñará a dibujar un panda que sostiene una rama de bambú.

Descubre cómo dibujar una vaca en el campo — Ninguna representación de un paisaje bucólico está completa sin una vaca pastando en la hierba.  Aprende a dibujar una vaca con este tutorial paso a paso.

Haz un dibujo de un oso polar — En este tutorial te mostraremos como dibujar a un oso polar que pasea por el ártico bajo la luna llena.

Dibuja a un zorro ártico durmiendo en 9 pasos — Con su esponjoso pelaje y encantadora personalidad, no es de extrañar que los zorros se encuentren entre los animales más queridos del internet. ¡Y ahora puedes aprender a dibujarlos!

Dibujar la anatomía humana 

Fotos de archivo de bioraven/Shutterstock

Guía para aprender a dibujar manos — Dibujar la anatomía humana puede ser complicado, y una de las partes del cuerpo más difíciles de dibujar son las manos. En esta guía aprenderás sobre la estructura ósea de las manos y cómo los huesos y articulaciones se traducen en tu dibujo. Sigue estos pasos y tu dibujo sin duda cobrará vida.

Dibuja cualquier tipo de nariz — Entre todos los rasgos faciales, la nariz puede parecer poca cosa. Pero no la ignores: este rasgo sin duda ayuda a definir el rostro. Aquí exploramos la anatomía de la nariz y te mostramos cómo dibujar una de manera realista.

Haz que tus ojos cobren vida — Para aprender a dibujar un ojo realista es importante entender que no es solo la pupila lo que hace que se vea real. La forma del ojo, los pliegues del párpado y las pestañas también son importantes para lograrlo, y aquí lo repasaremos todo.

Perfecciona tus retratos con este tutorial — El dibujo de retratos ha ocupado un lugar importante en la historia del arte y sigue siendo un tema popular entre los artistas contemporáneos. Si tú también eres un alma creativa que quiere seguir con esta tradición, es importante que sepas cómo dibujar un rostro.

Aprende a dibujar un cráneo — Aprender a dibujar un cráneo es un ejercicio muy útil, incluso si ya has hecho un retrato antes. En este tutorial, veremos las proporciones de la cabeza, así como un sencillo proceso paso a paso para esbozar los huesos.

Sujetos inspirados en la naturaleza

Foto: Fotos de stock de Djem/Shutterstock

Celebra el otoño y dibuja una calabaza —Ya sean naranjas, verdes, lisas o rugosas, las calabazas son sinónimo de otoño.  Por eso hemos preparado este tutorial de dibujo paso a paso que te ayudará a dibujar una calabaza en pocos pasos.

Boceta un girasol en nueve pasos — Canaliza tu Van Gogh interno al dibujar uno de sus sujetos favoritos. En esta guía paso a paso te enseñamos cómo hacerlo.

Aprende a dibujar una rosa — La rosa es un símbolo de amor. Así como los poetas hablan sobre su belleza, los artistas dibujan sus delicados pétalos. Sin embargo, que las rosas sean populares no significa que sean fáciles de dibujar. Pero no te preocupes—aquí desglosamos sus formas para que dibujarlas sea tanto fácil como divertido.

¿Te interesan otras flores? Aquí te mostramos como dibujar una gran variedad de ellas — Hay tantos tipos de plantas en el mundo que es imposible aprender a dibujar cada una de ellas. Pero una vez que entiendas su estructura básica, podrás usar ese conocimiento para dibujar cualquier flor que te guste.

Foto: Rawpixel

Si, por otro lado, quieres dibujar todas las cosas, mira algunos grandes tutoriales en YouTube. Estos artistas te ayudarán a aprender a dibujar de forma gratuita.

Artículos relacionados

Los mejores lápices de dibujo para profesionales y principiantes que aman dibujar

¿Quieres aprender a pintar con pasteles? Aquí te decimos cómo

7 divertidos juegos de dibujar que ejercitarán tu creatividad

Artistas vuelven a dibujar sus primeros trabajos para mostrar cuánto han mejorado

READ: 100+ Ideas para ponerte dibujar en este momento

Foto: Fotos de stock de Yuriy Golub/Shutterstock

En cualquier disciplina, es importante tener una base sólida desde la cual crecer. En el caso de las artes visuales, es fundamental conocer los elementos del arte. Estos elementos creativos son esenciales, y entender sus funciones es importante tanto para los artistas como para los amantes del arte. Cuando tienes un buen conocimiento sobre los elementos del arte, es más fácil analizar, descifrar y crear cualquier tipo de obra de arte, desde pinturas y fotografías hasta esculturas y piezas arquitectónicas.

De hecho, muchos de estos elementos se enseñan en la infancia como parte de la educación artística básica. Pero aunque los conceptos puedan parecer sencillos, una vez dominados pueden extenderse y crecer en todas las direcciones, independientemente del estilo de arte que se esté creando o apreciando. Los elementos del arte son componentes visuales concretos que funcionan en conjunto con los principios artísticos que los organizan y armonizan.

La línea, el color, la figura, la forma, el valor, el espacio y la textura son los siete elementos básicos del arte y a menudo se superponen e influyen entre ellos. Tanto si se trata de dibujar, pintar, esculpir o diseñar, todos estos componentes del arte deben tomarse en consideración. Una vez que conozcas estos siete elementos visuales, te resultará aún más fácil crear tus propias obras de arte.

Dicho esto, los elementos del arte no solo son útiles para los artistas. Cualquier amante del arte podrá apreciar y encontrar un mayor significado en una obra al conocer más sobre estos componentes visuales básicos.

¿Cuáles son los siete elementos del arte?

Línea

Foto: Fotos de stock de Rabbit Run 11/Shutterstock

Estas marcas abarcan una distancia entre dos puntos y pueden ser rectas o curvas. En las artes visuales, las líneas van más allá de marcas y contornos: también pueden ser implícitas o abstractas. Ya sean bidimensionales o tridimensionales, no se puede negar que las líneas tienen un gran impacto en el resto de los elementos del arte. Pueden utilizarse para crear formas y figuras, así como para dar una sensación de profundidad y estructura. Las líneas son la base del dibujo y constituyen una poderosa herramienta por sí solas. El uso de diferentes tipos de líneas—continuas, discontinuas, verticales, dentadas, horizontales—cambia drásticamente la psicología de una obra de arte y tiene un gran impacto en el espectador.

Color

“Jarrón con lirios” de Vincent Van Gogh. 1890.

Al trabajar con el matiz, el valor y la saturación—tres componentes básicos del color—los artistas pueden expresar una amplia gama de emociones. No hay nada que cambie más el impacto emocional de una obra de arte que el color. Maestros como Van Gogh, Monet y Toulouse-Lautrec manipularon el color en sus pinturas para provocar diferentes sentimientos. El color puede utilizarse de forma simbólica o para crear un patrón. Puede seleccionarse para crear contrastes o para transmitir un estado de ánimo específico.

Foto: Fotos de stock de JKesler/Shutterstock

Tener unas buenas bases de teoría del color puede ayudar a un artista a utilizar mejor los tonos que tiene a su disposición. En este sentido, el círculo cromático moderno es una herramienta maravillosa. Está diseñado para explicar cómo se organiza el color y cómo interactúan los colores entre ellos. Por lo general, en el centro de la rueda del color se encuentran los tres colores primarios y en el círculo exterior, los colores secundarios; es decir, la mezcla de dos colores primarios. En la parte exterior del círculo se encuentran los colores terciarios, la mezcla de colores primarios con un color secundario adyacente.

Figura

“Contracomposición simultánea” (1930) de Theo van Doesburg (Foto: dominio público vía WikiArt)

Producto de líneas cerradas, las figuras son bidimensionales, planas y solo tienen alto y ancho. Las figuras geométricas, como los círculos y los cuadrados, son matemáticas y precisas, mientras que las figuras orgánicas se inspiran en la naturaleza y tienden a ser curvas y abstractas. Los collages de Henri Matisse hacen un gran uso de las figuras orgánicas, mientras que Piet Mondrian es conocido por su uso magistral de figuras geométricas en sus pinturas. Las figuras pueden utilizarse para controlar cómo percibimos una composición. Por ejemplo, los triángulos pueden ayudar a atraer la mirada hacia un punto concreto, mientras que los círculos representan la continuidad.

Forma

Centro Heydar Aliyev (2007-2012) de Zaha Hadid. (Foto: Aleksandr Zykov)

Cuando una figura toma profundidad y se vuelve tridimensional, entonces adquiere forma. Cilindros, pirámides y esferas son algunas de las formas más comunes, aunque también pueden ser amorfas. En la escultura, la forma es lo más importante, aunque puede introducirse fácilmente en el dibujo y la pintura mediante técnicas de arte en 3D. El escultor barroco Bernini fue un maestro de la forma, tallando sus esculturas para que pudieran disfrutarse desde cualquier perspectiva. La forma también es un elemento importante en la arquitectura: muchos arquitectos aclamados como Frank Lloyd-Wright, Zaha Hadid y Tadao Ando tienen muy en cuenta este elemento en sus diseños.

Valor

“Cordillera Teton y el río Snake” (1942) de Ansel Adams. (Foto: dominio público vía Wikimedia Commons)

Relacionado con el color, el valor es la claridad y la oscuridad de un color. El valor más claro es el blanco y el más oscuro el negro, y la diferencia entre ellos se define como contraste. Jugar con el valor no solo puede cambiar ciertas formas, sino también influir en el carácter de la obra. El valor es tan importante que los italianos crearon un término—el claroscuro—que se refiere específicamente al uso de la luz y la sombra en una obra de arte. El pintor barroco Caravaggio fue un maestro en el uso del claroscuro en sus pinturas al óleo. El fotógrafo Ansel Adams es otro artista que utilizó el valor de forma experta para crear composiciones interesantes en sus fotografías de paisajes.

Espacio 

(Foto: Guillaume Briard)

Este elemento del arte puede manipularse en función de cómo el artista coloque las líneas, las figuras, las formas y el color. La ubicación de estos otros elementos crea el espacio. El espacio puede ser positivo o negativo. El espacio positivo es un área ocupada por un objeto o una forma, mientras que el espacio negativo es un área que se extiende entre, a través, alrededor o dentro de los objetos. Los artistas suelen pensar en el primer plano, el segundo plano y el fondo de sus obras de arte, colocando a propósito formas y líneas en todo el espacio para conseguir la composición perfecta. La sensación de profundidad en las obras bidimensionales a menudo se consigue mediante la perspectiva, que a su vez puede basarse en líneas o colores.

Textura

“Pauline Bonaparte como Venus Victrix” (1805-1808) de Antonio Canova. (Foto: dominio público vía Wikipedia)

La textura es un elemento del arte que también juega con nuestro sentido del tacto. Se define como una descripción de la forma en la que algo se siente o podría sentirse. A veces se trata de una textura real que se puede sentir, como en el caso de la artista islandesa Hrafnhildur Arnardóttir, quien crea instalaciones artísticas con cabello sintético. Otras veces, la textura es una textura visual implícita que es bidimensional. Suave, áspera, dura, blanda, peluda, esponjosa y rugosa son algunas de las diferentes texturas que evocan diferentes respuestas.

Por ejemplo, un artista que busca un resultado hiperrealista querrá que sus nubes se vean esponjosas, mientras que otro que desea subvertir las convenciones podría jugar con la textura para crear una experiencia surrealista para el espectador. El escultor del siglo XIX Antonio Canova era un maestro en este sentido, tal como lo demuestra su retrato de la hermana de Napoleón: la mujer descansa sobre un cojín que parece tan suave que es difícil creer que sea de mármol.

¿Te gustaría empezar a utilizar los siete elementos del arte? Aquí tienes algunos tutoriales de dibujo que te ayudarán a empezar.

• • Rasgos faciales que son famosos por ser difíciles de dibujar: aprende a dibujar cualquier tipo de nariz humana en solo unos pasos.
  • ¿Te gusta el arte de fantasía? Aprende a dibujar un unicornio o un dragón con estas sencillas instrucciones paso a paso.
  • Los ojos son la ventana del alma: aprende a dibujar ojos en este tutorial.
  • ¿Quieres retratar a tu mascota? Aprende a dibujar perros en esta guía paso a paso.
  • ¿Te interesan los insectos? Aprende cómo dibujar una mariposa en 5 sencillos pasos.
  • El agua es una parte esencial de nuestras vidas, pero ¿sabes cómo dibujar este elemento ambiguo? Aquí te enseñamos cómo dibujar agua de seis maneras diferentes.
  • Inspírate en la naturaleza y aprende a dibujar tres tipos de árboles diferentes.
  • Las personas son uno de los sujetos más fascinantes y complejos de dibujar. Mientras que los rasgos faciales captan la apariencia de una persona, el pelo puede decir mucho sobre su personalidad. Aprende a dibujar diferentes tipos de cabello.

¿Quieres aprender más? Aquí tienes algunos cursos en línea que podrían serte útiles.

• Técnicas de ilustración para desbloquear tu creatividad: Experimenta con diferentes técnicas de dibujo y echa a volar la imaginación con este curso de Domestika.
• Urban Sketching: expresa tu mundo con una nueva perspectiva: Redescubre tu entorno e incorpora el dibujo en tu rutina diaria con este curso de Domestika.
• Realistic Textures in Colored Pencil (texturas realistas con lápices de colores): Aprende a dibujar pieles y plumas con detalles reales en este curso de Craftsy (en inglés).
• Creación de paletas de color con acuarela: Aprende a desarrollar esquemas de color con la pintora e ilustradora Ana Victoria Calderón en este curso.
• Ilustración expresiva a toda línea: Descubre las posibilidades de la línea para crear ilustraciones atractivas y dinámicas en este curso.

Este artículo ha sido editado y actualizado.

Artículos relacionados:

26 Términos de historia del arte para describir una obra de arte a la perfección

Descubre cómo las líneas de contorno pueden transformar el mismo objeto de 4 maneras diferentes

100+ Ideas para ponerte dibujar en este momento

10+ Canales de YouTube para aprender a dibujar gratis

50+ Painting Ideas That Will Inspire You to Pick Up a Brush Right Now

10 Essential Watercolor Techniques All Painters Need to Know

READ: Los 7 elementos del arte que dan forma a la creatividad

La artista Dimitra Milan es una especie de prodigio de la pintura. Ha sido una artista profesional desde que era una adolescente, alentada por sus padres artistas y guiada por su habilidad innata para combinar elementos realistas con escenarios coloridos y etéreos. La pintora describe esta llamativa fusión como “realismo abstracto”. Cada pieza, con sus formas reconocibles y elementos que fluyen libremente, invitan a estudiar y contemplar el color, el simbolismo y la técnica.

Mujeres y animales son dos temas recurrentes en la obra de Milan. “Siempre vuelvo a esta historia de una mujer con un animal”, le dice a My Modern Met. “Las mujeres que pinto son símbolos, representan nuestro ser más verdadero donde sabemos que en el fondo todo es posible. Todo en la naturaleza tiene un significado más profundo más allá de nuestra comprensión superficial de su función, especialmente los animales.

“Cuando pinto, no me propongo ilustrar un concepto; trato de encontrar lo que significa después de que termino. De todos los animales que pinto, los lobos siguen siendo mis favoritos porque hay muchos matices dentro de su simbolismo y tienen un gran significado personal para mí”.

Si, como a nosotros, las obras de Milan te parecen hermosas y enigmáticas, puedes aprender a pintar como ella en My Modern Met Academy, nuestra plataforma de aprendizaje electrónico con cursos en línea sobre una gran variedad de temas creativos. El curso de Milan se titula Abstract Realism: Introduction to Mixed Media Painting (“Realismo abstracto: introducción a la pintura de técnica mixta”) y está disponible en inglés. En el transcurso de varias lecciones, trabajarás con ella para crear tus propias pinturas de realismo abstracto.

“Este es un proceso súper divertido y expresivo”, Milan dice sobre su curso. “Combinar la abstracción con el realismo puede parecer complicado, pero después de tomar esta clase sentirás que puedes pintar cualquier cosa que te propongas”.

Dimitra Milan ha sido una artista de forma profesional desde que era adolescente.

Ha sido alentada por sus padres artistas y guiada por su habilidad innata para combinar elementos realistas con escenarios coloridos y etéreos.

La artista describe la llamativa fusión representada en su obra como realismo abstracto.

Las mujeres y los animales son dos tema recurrentes en el creciente portafolio de Milan.

Puedes aprender a pintar como Milan en su curso en línea en My Modern Met Academy llamado Abstract Realism: Introduction to Mixed Media Painting.

Dimitra Milan:  Sitio web | Instagram | Facebook

My Modern Met obtuvo permiso de Dimitra Milan para reproducir estas imágenes.

Artículos relacionados:

Pinturas cinematográficas plasman la serena belleza del suroeste de Estados Unidos

Pinturas al óleo capturan el cálido brillo de la esperanza entre las manos

Crea tu propio paisaje geométrico de colores brillantes con este curso de pintura en línea

READ: Las pinturas de esta artista capturan un vínculo espiritual entre mujeres y animales

Rodin, Miguel Ángel, Donatello: estos son los nombres de los grandes visionarios detrás de algunas de las esculturas más importantes de la historia del arte. Escultores como ellos poseen el gran talento de manipular sus materiales para dar vida a sus sujetos y desafiar las expectativas del público. Ya sea cincelando mármol o fundiendo en bronce, el poder de la escultura es innegable.

A lo largo de la historia, han existido varios escultores cuyo legado ha sobrevivido al paso del tiempo. Tal vez son recordados por su habilidad de crear figuras realistas o quizás se les aprecia por su voluntad de ampliar sus límites y desafiar expectativas. Sea cual sea su estilo, hemos compilado una colección de grandes escultores que han creado algunas de las piezas más famosas del arte occidental.

Desde la antigua Grecia hasta los modernistas del siglo XX y más allá, esta mirada al trabajo de 15 escultores famosos ofrece una guía del desarrollo del arte en occidente. Sin sus contribuciones, es difícil imaginar cómo serían las artes visuales el día de hoy.

Conoce más sobre 15 escultores famosos que han ayudado a definir el arte y la cultura occidental.

Praxíteles (siglo IV a.C.)

Praxíteles, “Afrodita de Cnido”, mármol, copia romana de un original griego creado en el siglo IV a.C. (Foto: Museo Nazionale Romano di Palazzo Altemps vía Wikimedia Commons, dominio público)

Aunque no sabemos mucho sobre los escultores de la antigua Grecia, un nombre ha sobrevivido al paso del tiempo. Gracias al trabajo de grandes autores como Plinio el Viejo y Vitruvio, Praxíteles se ha convertido en un referente de la escultura griega antigua. No se conserva ninguna de sus estatuas originales, pero conocemos su trabajo gracias a copias romanas de las originales. La Afrodita de Cnido es su pieza más famosa y es el primer ejemplo de una figura femenina a gran escala representada al desnudo. Esta escultura influyó en la forma en que la figura femenina sería representada en la escultura en los siglos venideros.

Esculturas importantes: Afrodita de Cnido, Hermes con el niño Dionisio, Apolo Sauróctono

Donatello (c. 1386-1466)

Donatello, “María Magdalena penitente”,  (Foto: Divot [Dominio público], vía Wikimedia Commons)

Esculturas importantes: David (1440), Gattamelata (1453), María Magdalena penitente (1455)

Miguel Ángel (1475-1564)

Miguel Ángel, “David”, 1504. (Foto: Fotos de archivo de Marta Pons Moreta/Shutterstock)

Aunque solemos relacionarlo con los frescos debido a su increíble trabajo en el techo de la Capilla Sixtina, Miguel Ángel en realidad se consideraba a sí mismo un escultor. El artista creía que cada bloque de mármol contenía una obra de arte esperando salir al mundo, y que solo necesitaba tallarlo hasta encontrarla. Su icónica escultura de el David es uno de los símbolos más conocidos del Renacimiento italiano y ha inspirado a artistas de todas partes del mundo durante siglos. La dedicación de Miguel Ángel hacia su arte no conocía límites, y siguió trabajando hasta una semana antes de su muerte a la edad de 88 años.

Esculturas importantes: La Piedad (1499), David (1504), Esclavo moribundo (1516)

Gianlorenzo Bernini (1598-1680)

Ginalorenzo Bernini, “El rapto de Proserpina”, 1622. (Foto: Fotos de archivo de wjarek/Shutterstock)

Puede que no haya ningún otro artista que defina mejor el Barroco que Gianlorenzo Bernini, cuya extraordinaria carrera abarcó casi 70 años. Como niño prodigio, Bernini ya creaba esculturas de mármol a gran escala en su adolescencia. Eventualmente se convertiría en el arquitecto de la Basílica de San Pedro —siguiendo los pasos de Miguel Ángel— creando la icónica plaza y la columnata de la basílica, así como su baldaquino central de bronce. Un experto de los materiales, Bernini es conocido por su grandiosa habilidad para crear movimiento y llenar sus piezas de emociones. En sus manos, el mármol se transforma en carne y hueso, que parece tan real que casi querrás tocarlo.

Esculturas importantes: El rapto de Proserpina (1622), Apolo y Dafne (1625), Éxtasis de santa Teresa (1652)

Antonio Canova (1757-1822)

Antonio Canova, “Eros y Psique”, 1793. (Foto: Wikimedia Commons, CC BY-SA 4.0)

El escultor italiano Antonio Canova fue uno de los mayores representantes del Neoclasicismo en Europa. Su trabajo se inspira en la escultura de la antigua Grecia, y gran parte de su obra se centra alrededor de temas mitológicos. Si bien la influencia de Bernini es clara en sus primeras obras, Canova pronto dejó atrás las escenas melorámáticas del Barroco, optando por crear esculturas con una frialdad exquisita y libres de cualquier sentimiento o perturbación.

Esculturas importantes: Eros y Psique (1793), Las tres Gracias (1817), Teseo y el centauro (1819)

Auguste Rodin (1840-1917)

Auguste Rodin, “El pensador”, 1902 (Foto: Fotos de archivo de Sean Neal/Shutterstock)

Muchos consideran que el escultor francés Auguste Rodin trajo la escultura clásica a la edad moderna. De formación clásica, atrajo la atención internacional tras la exposición de sus obras en la Feria Mundial de París. Rodin sigue siendo uno de los artistas más reconocidos del mundo, con varias fundiciones de su obra El pensador localizadas en diferentes ciudades alrededor del mundo. Rodin es conocido por su habilidad para renunciar al realismo y la decoración en favor del uso de la textura, los detalles de la superficie y luces y sombras para transmitir emociones. Su enfoque en la emoción interior y el sufrimiento representa un punto de inflexión en la historia del arte y sirve como sello distintivo del modernismo.

Esculturas importantes: El beso (1882), El pensador (1902), La puerta del Infierno (1917)

Constantin Brancusi (1876-1957)

Constantin Brancusi, “Columna sin fin”, 1938. (Foto: Fotos de archivo de Radu Bercan/Shutterstock)

Constantin Brancusi, uno de los escultores más influyentes del siglo XX, fue un pionero del modernismo. Las tradiciones populares son una de las más grandes influencias del artista rumano, aunque también buscó inspiración en culturas fuera de Europa. Sus esculturas son conocidas por sus líneas limpias y geométricas, tal como lo demuestra su aclamada serie Bird in Space. Brancusi también creó una magnífica escultura al aire libre. Columna sin fin es una de las tres obras que creó para conmemorar a los héroes rumanos de la Primera Guerra Mundial. Las formas apiladas incluyen un medio romboide en la parte superior del tótem, que simboliza el infinito.

Esculturas importantes: La musa dormida (1910), Bird in Space (1928), Columna sin fin (1938)

Alberto Giacometti (1901-1966)

El escultor suizo Alberto Giacometti es quizás mejor conocido por sus delgadas y alargadas figuras. Su textura áspera permite al espectador ver la fuerza del escultor, que también fue pintor y grabador. Durante un periodo de seis años, a partir de 1938, Giacometti se centró en esculturas de pequeña escala, creando piezas de no más de 7 centímetros de altura. La obra de Giacometti es a menudo un referente cuando se habla del existencialismo y de la condición humana. Muchos estudiosos han sugerido que sus alargadas figuras se relacionan con la falta de significado de la vida del siglo XX.

Esculturas importantes: La nariz (1950), El gato (1954), El hombre que camina (1961)

Alexander Calder (1898-1976)

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Una publicación compartida por Calder Foundation (@calderfoundation)

El artista estadounidense Alexander Calder es famoso por haber ideado un nuevo tipo de escultura cinética. Conocidas como móviles, estas piezas exploran las capacidades del arte escultórico al incorporar movimiento libre, un elemento presente tanto en sus objetos móviles de suelo como en sus móviles suspendidos. Aunque hoy el nombre de Calder es sinónimo de este tipo de arte, su trabajo también incluye distintos proyectos creativos, desde una serie de esculturas inspiradas en el circo hasta una aeronave que embelleció en los años 70.

Esculturas importantes: Cirque Calder (1926-1931), serie de Móviles

Henry Moore (1898-1986)

Henry Moore, “Figura reclinada”, 1938 (Foto: Fotos de archivo de Ron Ellis/Shutterstock)

Conocido por sus esculturas públicas semi-abstractas, el artista inglés Henry Moore fue el escultor más relevante después de la Segunda Guerra Mundial, tanto en Gran Bretaña como en el extranjero. Su trabajo se centra en figuras reclinadas con el tema recurrente de madres e hijos. Las figuras de Moore a menudo se diseccionan en múltiples piezas; sin embargo, sus líneas limpias permiten a los espectadores ver claramente la figura dentro de la forma abstracta. Los aficionados a su trabajo querrán visitar su finca de 24 hectáreas en Perry Green, Hertfordshire. Ahora es propiedad de la Fundación Henry Moore y alberga la mayor colección de su obra.

Esculturas importantes: Figura reclinada (1938), Óvalo con puntos (1968-1070)

Sol LeWitt (1928 – 2007)

Sol Lewitt, ‘Tower', 1989. (Foto: Wikimedia Commons, dominio público)

Reconocido como uno de los fundadores del minimalismo y del conceptualismo, Sol LeWitt saltó a la fama a finales de los años 60. El artista estadounidense prefería el término “estructuras” en vez de esculturas. Se interesó mucho por las estructuras modulares, que a menudo eran de naturaleza cúbica, y gran parte de su trabajo se realizaba con bloques de hormigón apilados. Más tarde en su vida, comenzó a incorporar formas curvilíneas y colores saturados, lo que supuso un cambio total con respecto a su producción anterior. Un artista polifacético, LeWitt también es reconocido por sus dibujos en paredes, gouaches y proyectos arquitectónicos.

Esculturas importantes: Tower (1989), Pirámide de cuatro lados (1997)

Louise Bourgeois (1911-2010)

Louise Bourgeois, ‘Maman', 1999. (Foto: Fotos de archivo de tichr/Shutterstock)

Conocida por su arte público y sus instalaciones, la escultora francoestadounidense Louise Bourgeois alcanzó la fama internacional en 1982, después de que el Museo de Arte Moderno de Nueva York realizara su primera retrospectiva. Para ese entonces, la artista ya tenía más de 70 años y había disfrutado de una prolífica carrera. Basándose en sus propias experiencias de vida, sus esculturas exploran a menudo temas de familia, sexualidad y muerte. En la década de 1990, Bourgeois comenzó a utilizar la araña como símbolo en su arte. Maman fue producida como una edición de seis fundiciones de bronce y mide más de 9 metros de altura. La obra es una oda a la madre de la escultora, que murió cuando era niña, y habla de su fuerza y protección hacia su familia.

Esculturas importantes: Miedos (1992), Arco de histeria (1993), Maman (1999)

Fernando Botero (1932)

Fernando Botero, “Caballo”, 2013. (Foto: Wikimedia Commons, CC BY-SA 3.0)

El prolífico artista colombiano Fernando Botero es uno de los artistas latinoamericanos más famosos y cotizados del siglo XX. Su estilo, que se conoce como “boterismo”, se caracteriza por sus figuras regordetas. Sin embargo, Botero ha señalado que él no pinta “personas gordas”, sino volumen. Este amor por las figuras voluminosas se traslada también a sus esculturas, que hoy están expuestas en espacios públicos de todo el mundo.

Esculturas importantes: Torso de mujer (1987), Gato (1989), Caballo (2013)

Anish Kapoor (1954)

Anish Kapoor, “Cloud Gate”, 2006. (Foto: Wikimedia Commons, CC BY-SA 2.0)

Mediante sus exploraciones del color, el material y la forma, el escultor indobritánico Anish Kapoor nos invita a reflexionar sobre la forma en la que percibimos la realidad. Sus cautivadoras esculturas transforman el espacio e invitan al público a volverse partícipes de ellas a través de superficies reflejantes y campos de color que parecen no tener fin. Así, no es ninguna sorpresa que Kapoor sea considerado uno de los escultores más influyentes y cotizados de la actualidad.

Esculturas importantes: Sky Mirror (2006), Cloud Gate (2006), Descension (2014)

Jeff Koons (1955)

Jeff Koons, “Puppy”, 1992. (Foto: Wikimedia Commons, CC BY-SA 4.0)

Jeff Koons es una de las figuras más reconocidas del arte contemporáneo. Este artista estadounidense irrumpió en el mundo del arte en los años 80 con una serie de aspiradoras comerciales que hizo pasar por esculturas. Desde entonces, ha seguido desafiando nuestras percepciones sobre la cultura de consumo a través de piezas que van desde estatuas inspiradas en la cultura pop hasta esculturas gigantes de animales hechos de globos.

Esculturas importantes: Rabbit (1986), Puppy (1992), Balloon Dog (1993)

Este artículo ha sido editado y actualizado.

Artículos relacionados:

Cómo la belleza natural de la escultura helenística ha logrado cautivar al mundo por siglos

Esta escultura sin brazos es una de las obras maestras más preciadas del Louvre

8 Personas reales que protagonizaron las pinturas más famosas de la historia

READ: 15 Grandes escultores que cambiaron el curso de la historia del arte